2012-08-25 Sat

【前口上】
　４～６月期のディスク・レヴュー第３弾として「ポップ・ミュージック篇」をお届けする。これまでジャズ等と同じ枠に組み込んだり、年間を通して別枠で紹介していたりしたが、今回は好盤が多かったこともあり、単独枠で規定の７枚を採りあげることとしたい。なお、今後も単独枠を維持できるかどうかは、作品の（入手）状況にも左右されるため未定です。御容赦ください。
　さて今回、単独枠で７枚を確保できた理由として、私には珍しくラテン・ミュージック（ペルーとキューバ）を採りあげていることが大きい。いずれも古典の復刻だが実に素晴らしい。往時の音楽の豊かさ（「音楽が豊かだった時代」と言うべきか）を存分に堪能することができる。今回はそれを含め旧作の再発が３枚ある一方で、サウンド・レイヤーの重ね合わせをはじめ、エレクトロニクスによるサウンド・プロセッシングを駆使した盤もあって、作品の幅はずいぶん広がっていると思う。それではどうぞお楽しみください。


Tia Blake and Her Folk-Group / Folksongs & Ballads
Water water241
Tia Blake(vo), Bernard Vandame(g,vo), Francois Brigot(g,vo), Michel Sada(g), Sydney Aufrere(fl), Gilbert Caranhac(dobro), Eric Kristy(g), Unknown(tanbbourin)
試聴：http://www.pastelrecords.com/SHOP/tia-blake_c-042.html
　Ｃ＆Ｗ調の乾いた刻みとスチール・ギターの絡みにすら、しっとりとしたしなやかさが滲みこみ、翳りと憂い、虚ろさを含んだ低めの声に受け継がれる。弾むようなリズムがどこか夢うつつになって、ブリジット・セント・ジョン（Bredget St John）を思わせるしなやかで奥深いアルト・ヴォイスを浮かべ、運んでくる。パティ・ウォーターズ（Patty Waters）がESPレーベルに残した神経を過負荷で焼き切るような絶唱で知られる「Black Is the Color (of My True Love's Hair)」も、抑制的な語り口が、傍らに暗く口を開いた深淵に身を躍らせることなく、それでもしっかりと縁から底を覗き込んでいる。19歳のアメリカ娘がふとしたことからパリに渡り、そこでオーディションに合格して吹き込まれたレパートリーは英米のトラッド有名曲の数々。希薄なささやきを秘めた柔らかな襞に包まれながらもしんと冷たく静まり返った揺ぎ無い声の芯が、曲想の多様さを貫いて彼女の音楽世界の基底をかたちづくっている。人懐っこい甘さの中にもどこか突き放したクールネス。ここにはフィルム・ノワールにも似た「フランスから見たアメリカ」とも言うべきどこかスタイリッシュな〈距離〉の視線があるように思われてならない。ちなみに録音はサラヴァ等で活躍した名匠ダニエル・ヴァラシアン。この1971年にリリースされた彼女の唯一の作品は、すべての音楽ファンの宝物となるだろう。


Simone White / Silver Silver
Honest Jon's Records HJRCD66
Simone White, Samuel Bing, Julian Wass & vn,whistling,harmony vo,harmonium,bass,g,narration,key,glockenspiel,rhodes,synth
試聴：http://www.meditations.jp/index.php?main_page=product_music_info&products_id=8256
　ハスキーな憂い（と僅かな不機嫌さ）を含んだ舌足らずのキュートな声は、直ちにスティーナ・ノルデンスタム（Stins Nordenstam）を思わせる。彼女と同じく重力を感じさせないふわふわとした声の足取り。でもとびきり高いヒールにもかかわらず、足元は意外にしっかりしている。一方、バックの演奏はひとり立ち尽くす声をよそに、それに寄り添うでも支えるでもなく、ゆったりと奥深い別の景色を描き上げていく。パーカッションのもたらす深い奥行きに象徴される構築的な音空間は、時に声の手触りを遠く離れて、ギザギザとした急峻な風景や紙やすりのように痛々しくざらついた倍音の層、不釣合いに壮大／雄大に広がる風景をすらかたちづくる。夢見るようなアコースティック・ギターの爪弾きやグロッケンシュピールのきらめきだけが声に寄り添い、こうした背景との乖離を決定的なものとしながら、彼女の声の傷つきやすい可憐さを極限まで引き出そうとする。Grouperのように自らドローンに溶け込んでしまうのではなく、夢を見ながら、それが夢であることに気づいているような不思議な解離感（それはカヴァーに散りばめられた古びた写真の、捏造された記憶のフラッシュバックのような脈絡のなさと強烈なデジャヴュ感によってさらに強められる）。最後に置かれた南国楽園的な響きの小曲が、夢の終わりが淡く溶けていくのを見詰めている。


Biota / Cape Flyaway
ReR BCD7
Kristianne Gle(vo,g), Gordon Whitlow(org,acc), Tom Katsimpalis(g,claviolin), Mark Piersel(g),David Zekman(vn,mandolin), Larry Wilson(per), Steve Scholbe(rubab,g), James Gardner(tp), Randy Yeates(key),Charles O'Meara(p), Randy Miotke(rhodes,acc),William Sharp(electronics,mix), Mnemonists(visuals)
試聴：http://www.squidco.com/miva/merchant.mv?Screen=PROD&Store_Code=S&Product_Code=16350
　もともと多楽器による集団即興演奏と環境／工業ノイズや既成音楽断片のコンバインによるヴィジュアル表現を含めた雑色的構築を試みていたMnemonistsが、別プロジェクトとしてBiotaを発足させ、こちらはインダストリアル・オルゴールとも言うべき練磨／結晶化されたノイズのきらめきを経て、プロセッシングがつくりだすぐにゃぐにゃした不定形にして色鮮やかなサイケデリック空間に女性ヴォーカルを迎え入れるというよりポップな形態へと変化していった。本作ではサウンド担当がBiota、メンバーの重複するMnemonistsはヴィジュアル担当と役割分担が確立されている。今回の女性ヴォーカルは声質もメロディもいつになくトラッド的色合いが濃く、サウンドのプロセッシングも細やかさをいや増して、かつてのぐにゃりとした（それこそ諸星大二郎「生物都市」を思わせる）溶解／融合感覚を離れ、その音風景は万華鏡的と言うべき、より硬質な鉱物／結晶性のモザイク的構築が卓越し、ゆったりと変化しながら浮き沈みしていく（時に声を水没させてしまうほど、その水位は上昇する）。長尺（７分程度）のヴォーカル曲の間に挿み込まれるアコースティックな小曲が、撥弦のさわりや腺病質のオルガンの繊細なアラベスクの強調によるサイケデリアが、当てもなく漂う断片の浮遊感を通じて、ヴォーカルの凛とした古風な気品とそこに立ち込める寂寥感を際立てて止まない。添えられた大量のヴィジュアル・アートもいつになく多元的な風景の広がりを意識したものとなっている。彼らの新たな代表作となるのではないか。


Troy Schafer / Evening Song Awaken
Recital R003
Troy Schafer(vn,per,etc)
試聴：http://troyallenschafer.bandcamp.com/album/evening-song-awaken
http://soundcloud.com/experimedia/troy-schafer-evening-song
http://www.meditations.jp/index.php?main_page=product_music_info&products_id=7795
　主として彼自身によるヴァイオリンの多重録音による作品が並ぶ。弦楽四重奏の有する安定したバランスを欠いて上方にシフトし、狭い音域の中に寄り集まりぶつかり合う音たちは、圧縮された軋みを響きへと昇華させて、ただただ高みを目指し、陽炎のようにたちのぼっていくしかない。バロック絵画の闇に沈んだ画面の中で、ただ左上から射し込んでくる一筋の光を仰ぎ見る潤んだ眼差し。次第に厳かさへと接近していく感情の揺らぎ。ジャンルとしては一種の（スピリチュアルな）ヒーリング・ミュージックに属するのかもしれないが、ここには心身をゆるやかに慰撫してくれる微温湯的な癒しはいささかもなく（音はみな触れればただちに皮膚が裂けるほど、ぴんと張り詰め険しく切り立っている）、一刻を争うほどはるかに厳しく切羽詰った救いへの希求があるように感じられる。終曲は弦以外を用いて、通常のヒーリング・ミュージックの定型により近づいているが、それでも熱帯雨林にも似た沸騰するような喧騒をたたえている。200枚限定の手書きナンバー入りＣＤ－Ｒ。


Federico Durand / El Libro de los Arbales Magicos
Home Normal homen036
Federico Durand, Chihei Hatakeyama, Fuqugi, Ian Hawgood
試聴：http://soundcloud.com/homenormal/homen036-federico-durand-el
http://www.pastelrecords.com/SHOP/federico-durand_pl-849.html
　彼の前作『El Extasis de las Flores Pequenas』について、かつてブログでこう書いた(※)。「フィールドレコーディングされた環境音が多用されるが、それは〈外〉を手探るのではなく、ひたすらに〈内〉を見守り、その手触りを確かめるためだけに用いられる。浮かび上がる見たことのない風景。綿菓子のように溶けていく懐かしさ。思い出の糸をどこまでもさかのぼる音の魔法。聴き続けていたら現実感を喪失して、そのまま朽ち果ててしまいそうな、あまりにも危うい甘やかさ。現実逃避型フィールドレコーディング／セピア系アンビエントの極致。」
※http://miminowakuhazushi.dtiblog.com/blog-entry-150.html
　その手触りはある意味変わりない。しかし、以前には３次元的な夢想空間に見通しよく点在していた響きの花々は、ここで真綿のような不可視の厚みへと取り込まれ、不透明なもやに包まれており、周縁部が薄闇に沈む中、中央にぼんやりと浮かび上がる環境音のフィールトレコーディングによるレイヤーの敷き重ねも、何物ともと判別し難い曖昧さを増しながら、発音体の輪郭（空間との境界）ぼんやりと溶かしていく。この輪郭を結びきれない、場面を完結しきれない希薄さ（止まりかけたオルゴールのような、ほどけてしまいそうなほどに切れ切れの旋律もまた）が、セピア色でありながらどこか映画的な鮮明さをたたえていた前作と本作を分かつものであるだろう。無意識の奥深くに沈み込み、何かの呪文（紅茶に浸したマドレーヌのような？）がなければ封印が解けない記憶のようなあえかな肌触り。


Jesus Vasquez / Con Guitarra de Oscar Aviles
Xendra Music XM-1039
Jesus Vasquez(vo), Oscar Aviles(g)
試聴：http://www.reconquista.biz/SHOP/XM1039.html
http://elsurrecords.com/archives/contents/newcd/s_america/jesus-oscar.html
　ペルー音楽の中でもカンシオン・クリオーヤと呼ばれるクレオール系歌曲とのこと。なるほど確かに発掘編集盤『The Rhythm of B lack Peru』で聴くことのできるプリミティヴな躍動性や、笹久保伸が奏でるフォルクローレ系ギターの、朝の木漏れ日の中を小鳥が飛び交うような素早く爽やかな叙情性はここにはない。むしろここで強く感じられるのはダンスホールやナイトクラブで奏される「夜の音楽」としての比類のない完成度の高さである（それがクレオール性とどのように関係しているのかいないのか私にはわからない）。1958年頃の録音というから30代後半のはずのヘスースの声はいまだ可憐さを失わず（声を張った時にも独特の涼やかさをたたえている）、それでいて自在な緩急や抑揚により艶やかさを振りまく。ダンディな洒脱さをたたえたオスカルのギターは、暗がりに半分身を沈めつつ、きらめくように流麗でありながら抑制とニュアンスの美学を片時も忘れることがない。爪の立て方ひとつで異なるだろう音の立ち上がりの閃き、弧の描き方を鮮やかにコントロールし、声のための余白を中央に存分に残しながら、縁取りを金糸銀糸の細密な刺繍で飾ってみせる。多くは三拍子系の優雅な楽曲（バルス？）が、幾分反らし気味に背を伸ばしたギターとドレスのすそをゆるやかに揺らす声によって、申し分のない気品とクールさで演じられる（全曲律儀に３分前後なのはＳＰ時代の名残なのだろうか）。やはり音楽を愛するすべての人に。解説付き日本盤あり。


Guyun Y Su Grupo / Canta Elisa Portal
Disco Caramba CRACD-244
Guyun(g), Elisa Portal(vo)&p,per
試聴：http://www.reconquista.biz/SHOP/CRACD244.html
http://shop.ameto.biz/?pid=41197050
　キューバのフィーリン音楽からの１枚。他の何枚かのフィーリン音楽（の名盤）のうちから本作を選んだ理由は、何よりもグユンのギターの涼やかさにある。リズムをせわしなく刻まず、音符を細かく弾きこむこともない。暑さとは無縁の軽やかな白い雲が流れるようなコードの提示。その浮遊感や淡い色彩感は都会的／リゾート的な洗練と倦怠／退廃へと通じているだろう。ジャズ的な楽理を採りいれながらも、スウィング感の元となるリズムの遅れ（もたれ／よどみ）を排することにより、ボサノヴァ的な清々しい軽みが漂う（それは彼の奏でる、決して弧を描かぬ張り詰めた硬質な響きのギターに関する限り、ほとんど潔癖さの域に達している）。微かにハスキーさを乗せたエリサの女声もまた、抑揚や緩急の強調によって色気や情感を振りまき過ぎることなく、選び取られた平坦さの中で、必要にして充分なさりげなさをたたえている。その点でこれはJesus Vasquezたちによる前掲作と異なり「夜の音楽」ではない。むしろ凪が止んで涼風が南国的芳香を運び始める夕暮れの音楽。柑橘類とハーブの香る軽く発泡したロング・カクテル。それも表面に浮かんだシャーベット状に砕けた氷のすっと溶ける舌触り。グユン唯一の録音（1960年代後半）。香り高き名品。

2012-08-21 Tue

　都営地下鉄三田線水道橋駅Ａ１出口から出て、路地を曲がり一本裏通りに入ると、すぐに金刀比羅神社東京分社の鳥居が見える。FTARRIの実店舗はその向かいのビルのＢ１Ｆ（ちなみに１Ｆは武道の用具ショップ。この辺には多いようで表通りにもある）で、外に出ている案内はささやかなものだが、場所はわかりやすい。金刀比羅神社の向こうには香川県つながりということなのか、讃岐うどんブームの仕掛人「麺通団」のプロデュースしたうどん屋があるのが面白い（リトル香川といったところか）。ライヴ時の腹ごしらえにどうぞ。
　ビルの扉を開けて階下に降りると、防音仕様の二重ドアの向こうにFTARRIの空間が広がる。全体スペースはＬ字型と言うべきか。手前左にカウンターとキチネットがあり、奥の横長のスペースの左側が壁に設置された棚とその前に置かれた平台にＣＤが並ぶショップ・スペースであり、右側がＰＡスピーカー（BOSEのポール型）やアップライト・ピアノの設置されたライヴ・スペースとなっている。ステージの段差はなく、パイプが剥き出しの天井は比較的高い。客席はパイプ椅子やクッションを敷いての床座りだが、30人は入れるのではないか。
　壁は黒塗りのボード、他はコンクリートの打ち放しなのでほとんど飾り気はないが、ＣＤ棚は白木系のボードで、ところどころに桜皮細工の茶筒やら焼き物の壷やら、ちょっとＣＤショップには「場違い」なシックなオブジェが配置されているところが面白い。それと裏腹に壁際のワゴンには100円均一の文庫本が積まれ、露店風の雰囲気を醸し出している。

　実店舗の営業は２日間に渡るオープニング・ライヴの翌日８月６日(月)から始まっている。開店時間は午後４時から８時。ただしライヴがある場合は、その時間設定により変更がある。また、まだ定休日が確定していないようなので（基本的に週末は営業し、平日に週１～２日程度休むとのこと）、来店の際には店舗のホームページ(※)をチェックしてから訪れることをお勧めしたい。あわせてライヴの予定も確認できる。
※http://www.ftarri.com/suidobashi/index.html


FTARRI水道橋店舗の入り口。
ここから地下へ階段を降りていく。


　８月４日(土)・５日(日)の２日間に渡るオープニング・ライヴには両日合わせて８組が出演し、そのうち６組を見ることができた（２日目は体調不良で途中退席したため）。そのうち最も興味深いパフォーマンスを見せてくれたActive Recovering Musicについてリポートしておきたい。
　１日目の最後に登場したActive Recovering Musicはスライドホイッスルの六重奏団で、ほとんどオモチャのような楽器を構えた６人がステージ中央にかなり近接して馬蹄形に並ぶ。楽器構成からして無邪気なトイ・ミュージックか、あるいはコンセプチュアルなパフォーミング・アーツと言うべきメタ・ミュージック的な演奏が予想されたが、実際に演奏されたのは、よりシリアスで確実なサウンドの手触りを持った作品だった
　作品はすべて大蔵雅彦の作曲によるものと思われる（各演奏者の前には譜面台が置かれていた）。演奏開始前にストップウォッチを合わせていたから、時間指定により音出しがコントロールされているのだろう。１曲目は楽器の機構を活かして音程が連続的に変化する下降音を反時計回りにリレーしていくかたちのもの。楽器の特性上、音量が乏しく音の立ち上がりも曖昧で音色も貧弱。さらに音程の変化に伴い音色が微妙に‥というより不安定に変化する。途中から１人ずつではなく２人一組の音出しとなり、こうした楽器の「弱さ」が、多方向から突き動かされ侵食される、より不定形で不安定な広がりを空間に描き出す「強み」へと転じていく。
　２曲目は時間指定をより細かく行っているのだろう。長短・高低様々な音がアンサンブルのあちこちから響いてくる。一音の中での音程の変化が少ない分、音色は先程より安定していて、やや古風なバレル・オルガンのように響く。メロディ主体のアンサンブルではなく、むしろ長短・高低のパターンの順列組合せを幾何学的にアンサンブルに配分した結果、思いがけぬフレーズの断片や和音の切れ端が幻のように浮かび上がる。児童演奏機械にも似たアンティークなメカニカルさが香る場面もあった。
　離散的だった２曲目に対し、３曲目では集合的な音群が操作され、その推移が示される。最後の４曲目は時間指定ではなく、各奏者が行うべきアクションが文章として指示されていたようだった。全員が一度に吹奏を開始し、ドローンと言うには甲高いうなりの中で、大蔵雅彦から順に反時計回りで隣の奏者に音程を移していく。両者は寄り添うように身体を傾け、先の奏者が鳴らしている音程に耳をそばだて聴き取りながらスライドを微調整する。そのようにして移した音程をしばらく奏した後、また右隣の奏者へと伝えていく（その間も他の奏者は変わらず音を出し続けている）。その後の推移を観察すると、おそらくは元の音程よりわずかに高く、それでいて全体と溶け合うポイントを探り、手渡しているように思われる。次第に音程は上ずり、スライドのポイントは上がっていって、何周かした後、もうそれ以上音程を上げられなくなると（スライドが目一杯上がってしまうと）、今度はわずかずつ音程を下げていく方向で、また音の手渡しが始まる。このようにして部分の音程を微妙に上下させながら、他の奏者は順番が回ってくるまで先の音程を保って演奏しているので、そこに音程の相互干渉によるモジュレーションが様々に生じてくる。特に音量が高まった時には、６本あるとはいえ、あんな貧弱なオモチャのような楽器から、こんなにも強靭で強烈な響きが引き出せるものかと眼を見張ることとなった。
　比較的天井が高く、広さはさほどなく、残響も多過ぎないFTARRIのライヴ・スペースは適度の充満／飽和をもたらす点で、このアンサンブルの演奏に適していたように思う（残響が多過ぎれば干渉による音色か鋭くなり過ぎたように思うし、スペースが広過ぎたなら、この密度感は得られなかっただろう）。簡素な仕掛けから豊穣な響きを引き出し、見事に構築して見せた工夫と手際を称えたい。各演奏者がすべきことを淡々とこなした演奏姿勢も、内容にふさわしかったと思う。


Active Recovering Music
（大蔵雅彦、川口貴大、神田聡、古池寿浩、しばてつ、徳永将豪）

2012-08-19 Sun

　演奏を聴いていて、意識がその場に参加し、次の音が視えることがある。激しいブロウの応酬になって「イケイケ」で盛り上がる時や、場面を転換する決定的なステートメントが発されて、次の情景がありありと眼前に浮かぶというような場面ももちろんあるが、そうではなくて、演奏者間の水面下の探り合いに引き込まれ、こちらの耳も水中に没し、水の動きを全身の皮膚で感じながら次の音が視えてくることがある。もちろんそれは一種のデジャヴュ現象かも知れず、すでに鳴ってしまった音に対して、あたかも自分が事前にそれをありありと思い浮かべていたかのような錯誤に陥っているだけなのかもしれないが。
　それでも前述のように演奏者の交感に耳が引き込まれ、演奏の場の深さ／奥行きに間違いなく耳が届いていると感じられる時がある。事前に何の取り決めもない即興演奏であるにもかかわらず、発せられる音がことごとくそれでしかあり得ない必然と感じられ、痛いほどに身体に突き刺さってくることがある。そうした意識のフォーカスがぴしりと合った瞬間は必ずしも長く続かない。意識と音がずれ始めるというより、先ほどまでの痛いような音の手応えが身体の奥に残っていることで、その瞬間の終わりにぼんやりと気づくことになる（そこまでは深く突き刺さらない音の手ごたえの薄さに）。あるいは周期的に焦点が合ったり外れたり、あるいは専ら一人の奏者にのみ意識が同期して、その肩越しに覗いたカメラ・アイのようないささか偏った音場が広がることもある。


　Msabumi Kikuchi Trio『Sunrise』（ECM）のディスク・レヴューで次のように書いた(＊)。
＊http://miminowakuhazushi.dtiblog.com/blog-entry-171.html


　しんと張り詰めた闇から、その闇をいささかも揺らすことなく、月光に照らし出された冷ややかな打鍵がふと浮かび上がり（吐息が白く映るように）、響きが尾を引いて、束の間、闇の底を白く照らし出す。重ねられた音は「和音」と呼ぶべき磐石さを持たず、宙に浮かび、そのまま着地することなく消えていく。それとすれ違いにブラシの一打が姿を現す。音は互いに触れ合うことなく、一瞥すら交わさずに、黙ったまま行き違う。
　ピアノ自体も同様に、次に現れた打鍵は先に放たれた打鍵と音もなくすれ違う。両者の間を線で結ぶことはできない。間を置いて打ち鳴らされる音はフレーズを編み上げない。そこに受け渡されるものはなく、ただ、余韻だけを残して現れては消えていく音。その只中に突き立てられたベースの一撃が、それらがやがて星座を描くかもしれないとの直感を呼び覚ます。
　ジャン＝リュック・ゴダール『気狂いピエロ』冒頭のタイトル・クレジットは、クレジットの各単語がそれを構成するアルファベットの単位に分解され、Ａ・Ｂ・Ｃ‥‥と順に映し出されていく。だが、そうした「コロンブスの卵」的な単純な仕掛けに気づいたのは、始まってしばらくしてからで、最初のうちはそれがクレジットであることにすら気がつかず、モールス信号を思わせる離散的な配置で、赤い布石や青の石組みが、間を置いてすっと画面に現れていくのを、はらはらしながら、ただ黙って見詰めていることしかできなかった。原色によるフォントのオフビートな明滅に、観ている自分が次第に照らし出されていく感覚がそこにはあった。『Sunrise』冒頭曲の始まりの部分は、その時の張り詰めた気分を思い出させる。

　出来上がりの絵柄に向けて（彼らは寸分違わず同じ「景色」を見ている）、各演奏者が一筆ずつ、セザンヌにも似た矩形の筆触を並べていく。その順序は決してものの輪郭に沿っているわけではなく、連ねられて線を描くわけでもなく、まさにゴダール『気狂いピエロ』冒頭の、あの明滅の感覚で筆は置かれていく。もちろん音は虚空に吸い込まれ、スクリーンに映し出されるフォントのように積み重なることがない。しかし、それでも消えていく余韻を追い、それとすれ違いに現れる次の音の響きを心にとどめることを繰り返せば（通常これはゆったりと引き伸ばされた旋律を追う時のやり方だが）、ピアノの打鍵、ドラムの一打、ベースの一撃が互いに離散的な網の目をかたちづくりながら、それをレイヤーとして重ね合わせている様が見えてくる。
　「網の目」と言い、「レイヤー」と言い、いかにも緊密な組織がそこにあるように感じられてしまうとしたら、それは違う。繰り替えすが、音はフレーズを紡ぐことがない。別の言い方をすれば、閉じたブロックを形成しない。ピアノの、ドラムの、ベースの、それぞれ先に放たれた音とこれから放たれる音の間は、常に外に向けて風通しよく開かれていて、幾らでも他の音が入り込めるし、実際入り込んでくる。しかし、そこでは線が交錯することはない。もともと彼らは線など描かないからだ。


　この作品の冒頭部分の冷ややかに静謐で、空気をかき乱すことのないほどに緩やかでありながら、同時に揺るぎなく緻密に描き出された風景の提示と、その細部を巡る簡潔にして緊密な探り合いに思わず耳が引き込まれ、透き通った水に身を沈め、全身で響きを感じ取っている様、身体の表面／内部で交錯する様々な感覚の束を、拙いながらも何とか書き記そうとした部分だ。
　これに対し、原田正夫氏から次のようなコメントをいただいた。


　「そこでは線が交錯することはない。もともと彼らは線など描かないからだ。」という『サンライズ』に関するブログの一節にはどきりとします。『サンライズ』に最初に接した時はこのまさにピアノが「線を描かない」ことに戸惑いを覚えたのだと思います、自分。ベーシストのベースにも同様の戸惑いを覚えましたが、ベース音が前面に出ているので、ピアノ・トリオ盤の録音によくあるウッド・ベースの音の気持ちよさに助けられるところがあって、まだピアノほどの戸惑いは無かったかもしれません。
　「それでも消えていく余韻を追い、それとすれ違いに現れる次の音の響きを心にとどめることを繰り返せば（通常これはゆったりと引き伸ばされた旋律を追う時の やり方だが）、ピアノの打鍵、ドラムの一打、ベースの一撃が互いに離散的な網の目をかたちづくりながら、それをレイヤーとして重ね合わせている様が見えて くる。」
　このくだりはまさに、『サンライズ』の冒頭を集中して聴いている時の自分の心の動きを言い当てられたかのような気になります。
実際、自分も聴いていて、はっきりとした形に像を結ばないけれど、演奏にある眼差しが感じられて、その視線の先に自分が導かれていく感覚に陥ります。

　もうひとつ須川さんの文章（註：Jazz Tokyo掲載の菊地雅章ＴＰＴトリオのライヴのクロス・レヴュー※）で面白かったのが以下の部分。
　「あるいは、たった今放たれた音を同様に聴く。これが高次元で連続的に展開されてできあがってゆく音楽のうねりは、一つの現在進行形で制作されては消えてゆく芸術作品だけに、一聴するとかなり難しく聴こえるかもしれない。しかし、それと対面してジッと絵画を見つめるように集中して聴いていると、魂が揺さぶられる瞬間が訪れてその背後に音楽が成してゆく自然なフォースが見えてくる。こうなると、聴き手にもプレイヤーと似たような楽しみを与えてくれる。と私は思っているが、(後略)」
　わたしは『サンライズ』の一曲目を集中して聴いた時にそんな感覚に襲われました。福島さんが書かれていた「出来上がりの絵柄に向けて（彼らは寸分違わず同じ「景色」を見ている）、各演奏者が一筆ずつ、セザンヌにも似た矩形の筆触を並べていく」感覚で、自分も演奏の中に入って一音置いてみるような感覚です。こういう感覚、ライヴでは、ごくまれに訪れることがあります。聴いている音 (演奏) が自分の中で自由に動きだすような感覚、そしてその音の生成に自分も参加しているような感覚です。

※http://www.jazztokyo.com/live_report/report450.html
　なお多田雅範による次のレヴューも参照のこと。
　http://www.jazztokyo.com/live_report/report448.html


　１枚のディスクには様々な瞬間が詰まっている。『Sunrise』のレヴューでは特に冒頭２曲にスポットを当てたから対象は限られている。それでも、この描写が全編を通じた一般的な（言わば平均的にならした）ものではなく、冒頭部分の引き込まれ沈み込んでいく感じ、聴き手に音を置くことを求める感覚を指し示したものであることを直ちに看て取られたのには正直言って驚いた。もちろん文中に様々なヒントは散りばめられてはいるが、原田氏の「読み」は「これしかない」という力強い直感に支えられているように思う。あたかも二人が同じ眺めを共有しているかのように。
　このディスク・レヴューでは演奏者たちが寸分違わぬ同じ風景を見詰めていることが、この簡潔にして緊密極まりない演奏を成り立たせていると論じているが、それは聴き手にも感染してくるもののようだ。もちろん「寸分違わぬ」と言いながら、それはスクリーンに投影されるように現れるわけでは必ずしもなく、むしろ演奏者の「あいだ」に空気の流れや澱み、肌触り、温度感、色合い、匂いのように存在するものかもしれないし、聴き手が見ている風景と演奏者が感じ取っている風景はずいぶん異なっているかもしれない。しかし、にもかかわらず、そうした同期が生じることによって、危うく切り立った音楽のあり方が、そして演奏と聴取が、かろうじて可能となるのだ。


Masabumi Kikuchi Trio『Sunrise』


文中に登場するゴダール『気狂いピエロ』のオープニング・クレジット

　　
原田正夫、多田雅範は菊地雅章ＴＰＴトリオの来日公演を聴いてコメントしてくれている。

　　　
ポール・セザンヌによる筆触の例。彼はこの色彩の小区画について、面（プラン）という語をよく用いた。

2012-08-18 Sat

　来る８月２５日(土)・２６日(日)に岐阜県樽見鉄道で、生成音楽ワークショップ第７回として、ジョン・ケージ「失われた沈黙を求めて（プリペアド・トレイン）」が実施される。本企画は実際に列車を走らせ、その走行音をマイクロフォンで増幅して車内に流しながら、同時に車内て数々のパフォーマンスを行いうとともに、車内に設置したモニターとカメラによる動画を、ネットで結んだ各会場に配信するという大掛かりなもの。たとえば２６日に東京サントリー・ホールで開催される「ミュージサーカス」のプログラムには、この「失われた沈黙を求めて（プリペアド・トレイン）」の中継が含まれている。
　以下に「生成音楽ワークショップＨＰ」から案内文の一部を転載する。


生成音楽ワークショップ第7回は、一般から募集する乗客と演奏者によって、実験音楽の巨匠ジョン・ケージの『失われた沈黙を求めて（プリペアド・トレイン）』を大垣－樽見間の特別列車で再現します。8/25、26に岐阜県大垣市で開催されるMake: Ogaki Meeing 2012 / IAMAS オープンハウスの特別イベント及び、サントリーサマーフェスティバル「即今―ケージ・ミュージサーカス・イン・東京」の一環（8/26のみ）として、鉄道の走行音をマイクで増幅して車内に響かせながら、車内でパフォーマンスを行います。
樽見鉄道の全面的なご協力のもとで開催する今回の生成音楽ワークショップでは、Make: Ogaki Meeing 2012 / IAMAS オープンハウスの来場者、地域の方、実験音楽の愛好家、鉄道好きな方の参加をお待ちしております！　大垣〜樽見間の樽見鉄道は片道約一時間、樽見に近づくにつれて根尾川峡谷の緑が深まります。使用する車両はハイモ295-516。日産12気筒ディーゼルエンジンの音を増幅して車内外に響かせます。
ジョン・ケージ、「失われた沈黙を求めて（プリペアド・トレイン）（1978/2012）
本作品は今年生誕100年・没後20年を迎えるジョン・ケージと、イタリアの実験音楽家たちによって1978年6月にイタリア・ボローニャ近郊で行われた、スピーカーとマイクロフォンを設置した（プリペアドした）列車を用いた音楽作品です。
生成音楽ワークショップによる今回の翻案では、Make: Ogaki Meeing 2012 / IAMAS オープンハウス及び、サントリーサマーフェスティバル「即今―ケージ・ミュージサーカス・イン・東京」（8/26のみ）の実施日時に合わせて、大垣駅から樽見駅まで約40Kmを運行している樽見鉄道を貸し切り、車両内外にスピーカとマイクロフォンを設置します。車内外数カ所に取り付けたマイクの音は、車内に設置されたスピーカから再生されます。あわせて、車内では通常の乗客に加え、募集した演奏者によるパフォーマンスを実施します。車内にはカメラとモニターを設置し、ウェブにて繋がれた各会場と相互に音と映像を共有します。



詳しくは以下を参照していただきたい。
■生成音楽ワークショップＨＰ　http://generativemusicworkshop.wordpress.com/
■ジョン・ケージ：ミュージサーカス公式サイト　http://www.webdice.jp/suntory_musicircus/
　　
イラストレーションはいずれも「生成音楽ワークショップＨＰ」から。
楽しそうだなあ。夢がありますね。昔の都電みたいな路面電車でやるのもいいかも。

2012-08-18 Sat

【前口上】
　エレクトロ・アコースティック系の即興演奏やフィールドレコーディング作品に続いて、そうではない分野からやはり即興性の高い音楽の注目盤を選んで、レヴューをお届けしたい。前回予告させていただいたように単独レヴューで採りあげたKikuchi Masabumi Trio『Sunrise』と橋爪亮督グループ『Acoustic Fluid』を除き、今回は対象を５枚とさせていたただいた。実は他にも最近届いた注目盤はあるのだが、それは次回７～９月期に回すこととしたい。以降も必要があれば単独レヴューも織り交ぜながら、できるだけタイムリーな紹介を心がけていきたいと思う（自戒を込めて）。ご期待いただきたい。


Shelley Hirsch, Simon Ho / Where Were You Then ?
Tzadik TZ7638
Shelley Hirsch(vocals), Simon Ho(sequencer,p,acc,org,key) & vn,va,vc,b,dr,per,tuba
試聴：http://www.squidco.com/miva/merchant.mv?Screen=PROD&Store_Code=S&Product_Code=15816
　小編成の弦楽アンサンブルあるいはピアノやエレクトロニクスによる演奏は、ヴォードヴィルやバーレスクの舞台よろしく、曲ごとに鮮やかに場面を転換する。そこに性急な（あるいは落ち着き払った）語りから、甲高く浮かれた、あるいは重々しく垂れ込めた詠唱を自在にこなすShelley Hirschが降り立つ。全体としては語りを中心とした一人オペレッタの様相（コーラスや掛け合いも彼女自身が声音を変えながら多重録音によりこなしている。「オー・ソレ・ミーオ」のような有名曲の断片が引用される場面も）。鼻にかかった甘えた声音のとろけるような甘美さと南国の花々の如く香るエキゾティシズム。「異郷の歌姫」をマルチで演じる彼女は、かつて『Haiku Lingo』でしてみせたように身体をスクリーンの一部としてサウンドを映し出し、変幻自在にそれに溶け込むかと思えば、自伝的作品『O Little Town of East New York』で試みたように多様な声音や抑揚の変化を通じて、身体の内なる記憶から表面に様々なキャラクターを投影し、次から次へ鮮やかな変貌を遂げてみせる。彼女のピグマリオン的な個性と様々な音楽的機械仕掛け（オルゴールを模した音色や遊園地に鳴り渡る世紀末風ワルツ）とがあいまったからくり仕掛けの人形舞台は、同時にミュンヘン・オリンピックの悲劇や9.11等のテロリズム同時代史を背景として、繊細なプロセッシングと多重な投影が複雑な像を浮かび上がらせる。


The New Trio / Melting Game
jazzwerkstatt 101
Gunter BABY Sommer(dr,per), Floros Floridis(as,cl,bcl),Akira Ando(b)
試聴：http://www.squidco.com/miva/merchant.mv?Screen=PROD&Store_Code=S&Product_Code=15919
　東独時代から独自の活動を続ける御大ギュンター・ゾマーの新グループはギリシャからフローロス・フローリディスを迎えたトリオとなった。流れる雲を眺めながらそぞろ歩くような冒頭曲から、街頭へと繰り出すドラムを吠え声が煽り、サックスが大道を千鳥足で練り歩くチンドン的（あるいは葬送祭礼的）アンサンブル。むしろ線の細い叙情派との印象が強かったフローリディスも、ここではニンニクと生のままのオリーヴ油の香る地中海エスニック風味の濃い演奏（そこには当然アラビアやビザンティンの影響もうかがえる）を存分に展開している。ベース（日本人奏者か）もまたリズム・セクションの基底を支えるというより、奔放に暴れつつ転がる石に巧妙に角を立て、表現の領野を押し広げている印象。総じてざっくりとした線の太さとそれを可能ならしめている軽妙な筆遣いが見事。トラッド特有の血の濃さ、血潮の熱さをも感じさせる。ジャズの太い根に基盤を置きながら、そこから別の幹を生やし、枝を伸ばし葉を繁らせた街頭徘徊型民族フリー。


Gareth Davis, Frances-Marie Uitti / Gramercy
Miasmah Recordings MIACD019
Gareth Davis(bcl), Frances-Marie Uitti(vc)
試聴：http://www.miasmah.com/recordings/miacd019.html
　チェロとバス・クラリネット。２つの低音楽器が自在に溶け合い、輪郭をあいまいにして重なり合いながらかたちづくるアンサンブルは、白夜の底を覗き込むようなぞっとする深さとどこまでも溢れていく闇にも似た得体の知れない広がりをつくりだす。薄暗がりの中に時折走る目映さと、その傍ら口を開ける漆黒の深淵。絃の軋みに縁取られた輪郭やクラリネットのソノリティが時折水面で身を翻し、その銀色の腹の一部を一瞬垣間見せたとしても、そのほとんどの部分は見通すことのできない水の中に身を沈めている。決して声を張り上げることなく、ゆるやかに闇の底をたゆたい、暗く冷たく思い水をゆっくりと押してくる演奏は、どこかしら黒いヴェールをまとった祈りに似ている。ひたすら水平にたなびき、圧縮された軋みが亀裂を走らせる長尺の５曲目（20分以上に及ぶ）は、彼方に連峰の霞む見渡す限り凍てついた氷原の趣き。両者は時に分かち難く一体となり溶け合って、互いに互いのかげを成すような動きへと近づくのだが、それでも音響のたゆたいやアンビエンスの広がり、多元的な風景の構成へと全てを譲り渡してしまうことなく、あくまでも向かい合う２人の演奏者の身体／サウンドの輪郭にこだわっているように見える。それゆえ音色的には限りなくエレクトロ・アコースティック的でありながら、こちらの枠組みに配した次第。


Reverie Duo / Stagioni
Slam SLAMCD534
Redi Hasa(vc), Valerio Daniele(ac-g)
試聴：http://www.squidco.com/miva/merchant.mv?Screen=PROD&Store_Code=S&Product_Code=15634
　彼らは単にメロディアスに音を紡ぐだけではなく、映画音楽的な仕方で常に情景を喚起しながら演奏を進める。ギター絃のさわりとウードにも似たエキゾティックな音色／奏法が交錯しながら艶やかな音の層を織り成し、チェロの闇夜に響く口笛のようにあえかなフラジオがほのかな香りを添え、あるいはヴィオラ・ダ・ガンバを思わせるくぐもった音色が魅惑的な奥行きを醸し出す。両者とも卓越した演奏技量を備えながら、決して演奏の郷土に任せて突き進むことなく、音色の配合への細やかな心遣いと自らをメロディック／エキゾティックな領域に留め置く柔らかな（だが揺ぎ無い）抑制が音に馨しいサイケデリアを与えている。ＥＣＭサウンドよりはより雪解けのゆるやかさへと、あるいはポップ・ミュージックのスウィートネスへと傾いていると言えようか。


Marc Ribot / Silent Movies
Pi Recordings P134
Marc Ribot(g,vib on tr.12), Keefus Ciancia(soundscapes on tr.1,3,7,11,13)
試聴：http://www.squidco.com/miva/merchant.mv?Screen=PROD&Store_Code=S&Product_Code=13377
　マーク・リボーと言えば、自身やジョン・ゾーンのアンサンブルでどこかたどたどしくも70年代的な香り高く弾きまくる姿が浮かぶが、無伴奏ソロではより抑制され絞り込まれた音使いにより、一瞬への信じ難い集中を見せる。弾かれた弦が鳴り響き、唸りや軋みをあげる瞬間、マッチ売りの少女が灯したマッチのように、鮮やかなモノクロームの情景が浮かび上がる。かつてDIWからリリースされた『Don't Blame Me』もそうだった。だがここではその時に感じられた鼻を突く燐の臭いや鮮やかな閃光は影を潜め、幻燈のように浮かび上がる温もり豊かな情景を砂絵のようにゆるやかに崩しながら、切々と場面を移ろわせていく。情景の変容と溶暗が想起の中でつくりだす子ども時代の大事な思い出にも似た甘美な起伏。珠玉の短編集とも言うべき各情景のとびきりの叙情性が素晴らしい。むしろ黒鉛筆の様々な筆触を活かして描き込まれた絵本のページを繰る感覚か。本作品は2010年の作品ゆえ新譜とは言えないが、リリース自体最近知ったことからこの枠で紹介させていただくこととした。

2012-08-09 Thu

【前口上】
　Lucio Capece『Zero Plus Zero』（Potlatch）を論じたことをきっかけとして、風景と建築等について考える中で、エレクトロ・アコースティック系の即興演奏やフィールドレコーディング作品数点を採りあげてしまったことから、レギュラーのディスク・レヴューがすっかり滞ってしまった。その間にAnother TimbreやPotlatchからは次の新譜がリリースされるなど、すっかり「周回遅れ」状況となってしまったので、ここで急ぎ何とか辻褄を合わせておきたいと思う。前述のLucio Capece『Zero Plus Zero』絡みで計６点をレヴューしているので、ここでは2012年１～３月期と４～６月期の２期分の残りとして８点を採りあげることとしたい。なお、急拵えゆえ、ディスク・レヴュー全体の構成を組み立てるに至らず、各盤の評文が並んでいるだけの代物だがご容赦いただきたい。なお、エレクトロ・アコースティック系以外の即興演奏やポップ・ミュージックについても１～３月期分こそアップしたものの、その後はMasabumi Kikuchi Tro『Sunrise』と橋爪亮督グループ『Acoustic Fluid』を各々単独で論じたにとどまっているので、こちらについても近日中に埋め合わせしたいと考えている。


Jakob Ullmann / Fremde Zeit - Addendum
Edition RZ RZ1026-1028
試聴：http://www.squidco.com/miva/merchant.mv?Screen=PROD&Store_Code=S&Product_Code=15864

　霧の彼方から聴こえてくるおぼろで虚ろな鳴り。暗闇の中でゆっくりと伸び縮みする音のかげ。耳の奥で鳴り止まない響き。モノクロ映画の無音のスローモーション。長い間を置いて弱音が鳴らされる演奏は数多いが、本作はコンセプチュアルでもなければ、点描的でもない点で、それらと一線を画する。この眼を凝らしても一向に輪郭を明らかにせず、闇に溶け、滲み広がるような音のあり方は本当に独特だ。今まで聴いたことがない（基本的には管弦楽器のアンサンブルやソロの作品であるにもかかわらず）。雅楽の最も静謐な瞬間を闇に沈めたところを想像してもらおうか。あるいはうつらうつらとした夢うつつのうちに気がつくともう遠く通り過ぎている夜汽車の踏み切りや、鳴り終わってから気づく階下の大時計の打刻鳴鐘、とうに灯明を消したはずの仏間から漂ってくる香の匂いを。古井由吉の作品から聴こえてくる誰のものともつかぬ（死者の）声を思わせる音の手触り。それは沈黙のざわめきを照らし出すことなく、ただ音もなく暗い淵へと吸い込まれていく。こうした特質は１枚目に収められた「消えていく音楽」から明らかだが、３枚目全てを占める「プラハ」がやはり素晴らしい。傑作。このような作品をＣＤ３枚組ボックスでリリースするEdition RZの相変わらずの慧眼を称えたい。


i treni inerti / luz azul
flexion records flex_002
Ruth Barberan(tp,objects), Alfredo Costa Monteiro(acc,objects)
試聴：http://www.flexionrecords.net/?page_id=410

　Michel DonedaとJonas Kocherのデュオ（素晴らしい！）に続くflexionからの２作目は鉄道の線路が傍らを走るオリーヴ畑の只中で、深夜から明け方にかけて屋外録音された。様々な音具をベルやマウスピースに触れさせなから吹奏されるトランペットは、その分割共振を得て、空気の粒を躍らせるような、何とも見事な震えを見せる（時にそれはバケツや空き缶を掻き回したような喧騒へと至る）。一方アコーディオンは、金属リードの鳴りに様々な軋みや倍音を付加しながら、空間を鷲掴みにするトランペットとはまた別様の震えをつくりだす。共に響きは内省的でありながら、互いに向かい合い対話の中に閉じることがない。車の走行音や犬の吠え声、風の音等がどんどんと入り込んでくる中で、それらと共存しながら、オリーヴの木々の間に向かって、遠くを照らし出すように開放的に放射されていく。その極致が突如として現れる列車の通過音との交錯だろう。演奏は列車の轟音（重みを持ちながら乾いたいい音だ）に掻き消されながら、それに対抗するのでなく、かと言って伴奏するのでもなく、そのまま受け入れ、共存し、後をじっと見送る。


Osvaldo Collucino / Atto
another timre at50
Osvaldo Collucino(acoustic objects)
試聴：http://www.youtube.com/watch?v=1msEYO-nOsg

　以前に2010年ベスト30に『Gemina』を選んだイタリアの作曲家の新作は、楽器や電子操作を用いない、アコースティック・オブジェクツのみによる演奏となった。とは言え、カチカチ／サワサワ／チリチリ／‥‥といった所謂「物音系」とは程遠く、ほとばしり、叩きつけ、粉々に砕け散り、散り散りになって空に舞い、滔々と流れ出す千変万化のアコースティックな流動と空間のパースペクティヴ構成の絶え間ない変化がここにはある。カメラは一瞬たりとも立ち止まることなく動き続け、それにより差し込む光も刻一刻と変化し、眼の前で立ち起こっている巨大な何かが、一望の下にはとらえきれず視界から溢れ出す。にもかかわらず、全編は揺ぎ無い構築感で覆い尽くされている。音素材の質感／粒立ちの違い、空間の響きの手触りを保ちながら、集合的な速度／運動性を極限まで解き放つことにより、唐突に噴出／衝突／交錯／切断される圧倒的な奔流は、時にヤニス・クセナキスのアンサンブルを思わせる。


Annette Krebs, Anthea Caddy, Magda Mayas / Thread
another timre at48
Annette Krebs(prepared g,objects,tapes,mixing desk), Anthea Caddy(vc), Magda Mayas(p)
試聴：http://www.youtube.com/watch?v=dT5caF2RCPA
　
　引き締まった強靭な打鍵も引き絞られた弦の張り詰めた軋みも、突如噴出する弓弾きの重厚なアタックも掻き鳴らされたピアノ弦の遠い響きも、ここで目を見張る強度でぶつかり合うアコースティックな音たちは、それでもなお演奏の素材に過ぎない。全体を統括し、舞台を監督／進行しているのは、Klebsによるミクシングやテープの挿入である。彼女はテープによるヴォイスの断片を放ちながら、他の２人と同じ水準に立つことはない（演出家と俳優と言ったところだろうか）。常にメタ的なねじれの位置を確保しながら、音響を操作し、チープなエレクトロニスの埃っぽさに他の２人をまみれさせる。逆に言えば、そのような空間を彼女が常に仕掛け続けることが、ピアノやチェロの圧縮された音響（ほとんど電子的音な）を引き出し、２人のサウンドの応酬の均衡点をずらし続けているのだろう。その意味でKlebsが２人の音像を操作することなく、自身は希薄に遍在／偏在化していく様は興味深い。アコースティック・インプロヴィゼーションの切り立った「速さ」とエレクトロニクスの次第に甘美に溶け広がり、飴のように伸びて深みにはまっていく「遅さ」の対比が見事。


Alfredo Costa Monteiro / Umbralia
Triple Bath TRB 031
Alfredo Costa Monteiro(el-org)
試聴：http://www.triplebath.gr/releases/trb.031_umbralia.html

　アテネのドローン系レーベルから。アコーディオン、ギター、ターンテーブル、ラップトップ等を駆使して、即興演奏からサウンド・アートまで幅広い領域で活躍する彼は、ここでエレクトリック・オルガンによる重層的なドローン演奏を試みている。明滅する繰り返し、鋭く射通すような持続音、がさがさとしたざわめきの抑制された変化が、凍てついた静謐さから冷たく沸騰する喧騒に至るまで、空間の様々な組織を切り開いてみせる。ここで音は空間の中に置かれない。むしろ空間から取り出された何か特定の性質が、音のかたちをとって露呈しているように感じられる。解剖台の上で無影灯に照らし出されるように、徹底して無機質かつモノクロームな音色の選択をはじめ、極めてハードコアな透徹した美意識が感じられる。


Ollivier Coupille / Entrelacs
loligo　5
Ollivier Coupille(live electronics)
試聴：http://homepage2.nifty.com/paganmusik/omega/new1205.html

　彼のライヴ・エレクトロニクスによる演奏風景をyoutubeで垣間見ることができるが(※)、がらんとしたホワイト・キュープの中に座り込んで、古めかしい電子機器のツマミをいじくり回す姿はアナクロニックな怪人といった風情。そこでのサウンドは演奏の身体動作にそのまま見合ったもので、いかにも電子回路が発振／変調しているといったものなのだが、最近の作品では一皮剥けた演奏を聴くことができる。かつては突発的／刹那的だった電子音の噴出が、ここではミニマルな脈動やパルスの放出とは異なる起伏を獲得している。その古風で厳つい音色は、直ちにかつてのDavid Tudorを思い出させるが、彼が編み上げた蔓植物が縦横に繁茂する密林を思わせる濃密なアンビエントに対し、Coupilleがつくりだすのはアザラシやアシカ、クジラ、シャチ等が冷たい海の中を自由に泳ぎ回りながら鳴き交わす呼び声の多重な交錯である。音景の中央で頭をもたげ、身をよじりくねらせる音と、その背後でつぶやき、ざわめきながら生成変化を続ける響きは、ほとんど同じ姿をしている。電子変調の連鎖／相互干渉により巧みに構築された空間はそれ自体が巨大な生き物であるかのように息づいている。
※http://www.youtube.com/watch?v=W0T1oRwSi3k


Eyvind Kang / Visible Breath
Ideologic Organ SOMA 004
Stewart Dempste(tb),Julian Priester(tb),Cuong Vu(tp),Taina Karr(oboe),Timb Harris(vn),Eyvind Kang(va),Jessika Kenney(vo),Miguel Frasconi(glass),Cristina Valdez(p),Steve Moore(el-p),Susan Alcom(pedal steel g),Janet Leppin(modified vc)
試聴：http://soundcloud.com/experimedia/eyvind-kang-visible-breath

　何よりもＬＰのＡ面に収められた表題曲（15分弱）を。雅楽的とも言うべき管弦の水平なたなびきの積み重なりが、しめやかな儀式を思わせる。時折、それらをかがるパーカッシッヴな打撃が、時を引き締める。トロンボーンの太い持続音が加わって低音の厚みを増すと、アンサンブルの色合いはチベット密教を思わせるものとなる（Dempsterの参加していたDeep Listening Bandの距離を介した呼び交わしはここにはない）。たちこめる倍音の中、グラスハープが響きの輪を静かに広げ、灯明のように揺らめかせる。そうした響きに照らし出されながら、持続音は緩やかに上下しながら交錯し、ゆっくりと引き延ばされ波打つ時間が、船酔いするような幻惑的なうねりをつくりだす。


Michael Pisaro / Fields Have Ears (6)
Gravity Wave gw 007
Michael Pisaro(composition,g,electronics,recording,mixing,mastering)
試聴：http://www.ftarri.com/cdshop/goods/gravitywave/gw-007.html

　もともとはクラシック・ギターと正弦波のための作品だったものが、エレクトリック・ギターと演奏した都市の街頭風景のフィールドレコーディング等を加えることにより、全く違うヴァージョンへと変化している。全体にかけられたもやがリアリティを消去し、想起モードのスヴィッチを入れて、ノスタルジーを呼び覚ます。オート・スライドのように次々と切り替えられていく風景は、どこか古びたジュークボックスから流れるオールディズのヒット・パレードにも似た、頭の芯が痺れるような甘美さをたたえている（実際に街頭にポップスが流れる瞬間もある）。と同時に環境音もまたセピア色の絵葉書のように、切ない記憶のひとコマとして甘やかに浮かび上がる。フォトジェニック／フォノジェニックな断片の浮き沈みによる、かつて『July Mountain』で試みられた魅惑的なスウィートネスの追及がここにも。コンセプチュアルなタイム・コンポジションや崇高にそそり立つ音響建築よりも、これが彼の本質なのではないかと思わずにはいられない。