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福島恵一

Author:福島恵一
プログレを振り出しにフリー・ミュージック、現代音楽、トラッド、古楽、民族音楽など辺境を探求。「アヴァン・ミュージック・ガイド」、「プログレのパースペクティヴ」、「200CDプログレッシヴ・ロック」、「捧げる-灰野敬二の世界」等に執筆。2010年3~6月に音盤レクチャー「耳の枠はずし」(5回)を開催。2014年11月から津田貴司、歸山幸輔とリスニング・イヴェント『松籟夜話』を開催中。

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「耳の枠はずし」第4回の要約・再構成(1)
遅くなりましたが、「耳の枠はずし」第4回「複数のことば① 清水俊彦を聴く」の要約・再構成を、前半・後半の2回に分けて掲載します。なお、これはあくまで資料に基づく要約・再構成であり、レクチャーそのものの再録ではありませんので、ご了解ください。


 これまでの3回は「フリー・ミュージックのハードコア」と題し、デレク・ベイリーから「音響」以降、トラッドからミッシェル・ドネダへという2つの可能性の線をたどり、さらにそれを距離/空間の中に置いて眺めるということをしてきました。そこでは共通して、音を演奏者の意図に還元/着地させるのではなく、まさに不定形な音の運動として聴いてみようという姿勢をとってきました。そうすると聴き手はみんな、それぞれ違う「こと」を聴いていることになります。それでは誰とも何かを共有することはできないのか。そこでポーンと体験の共同性に行くのではなく、ことばを介して互いの違いを確かめ合い、聴くことを豊かにするという「聴くことの公共性」へ向かうべきではないか‥というのが私の主張です。そのためには複数の言葉を響き合わせる空間、それも共同体に属さない空間ということで、都市に設けられたアジールというべきカフェの空間のあり方に注目し、次回「ECMカフェ」ということで実践してみようというわけです。今日はその前段として、亡くなられた清水俊彦さんの音楽批評のことばを採りあげ、それと対象となる音楽/演奏やまた別の言葉を重ね合わせて聴いてみたいと思います。(以下敬称略)

 清水俊彦については、「アメリカの芸術」(弘文堂)所収の「ジャズ 不完全な芸術」が剽窃であることが判明し、書籍が回収されるという事件がありました。そのことが明らかになって、さらに引用文として明示した箇所以外にも引用があるということで、これまで書かれたものすべてが疑わしいと言い出す人もいます。けれど清水俊彦が書いたものから、多大な恩恵と影響を受けている私としては、先ほどの剽窃は事実として認めたうえで、なお清水俊彦が何を成し遂げたのか、そのための条件や背景は何だったのかを示したいと思います。ここではフリー/ポスト・フリーの切断面に関する議論に的を絞り、ちょうど清水俊彦が編者となった「ジャズ 感性と肉体の祝祭」(青土社)に収められた批評を切り口として、事態を切開してみたいと思います。

 清水俊彦「ジャズ・アヴァンギャルド」は、コルトレーンの死による"革命"・"祝祭"・"躍進"といった《興奮》が頓挫したところから書き始められています。私たちもまたコルトレーンから始めることにしましょう。
■John Coltrane/Ascension(Impulse) 1965
 この演奏を「フリー・ジャズ」と呼んでしまうのは、実はとても大雑把な言い方なのですが、一般的なイメージのレヴェルでは、これぞフリー・ジャズと言っていいでしょう。これを次の演奏と聴き比べてみてください(清水による「森と動物園」評を紹介)。
■Steve Lacy/Forest and the Zoo(ESP) 1966
 熱気と充満によるフリー・ジャズのイメージと、冷ややかで硬質な異国の空気の中で孤独な音たちが行き交うフリー・ジャズの違いが肌で感じ取れたかと思います。実はレイシー自身は、この「森と動物園」の達成をフリーの頂点ととらえており、その後、映画に音楽を付ける仕事に関わることから、ポスト・フリーの枠組みを探求していくことになるのですが、この冷ややかなフリーには、充分に「ポスト」性が先取りされていると思います。 
 清水俊彦によるポスト・フリーのパラダイムの記述です。「フリー・ジャズの別の継承者である彼らは、個人的探求や新しい要素の効果をこの音楽にもたらしながら、その遺産を有利に用いようとしている。彼らは想像力に欠けたある種のフリー・ジャズの型にはまった行き過ぎにうんざりしている一族であり、(中略)ある意味でセシル・テイラーやアルバート・アイラーのフリーよりもジュセッピ・ローガン/ドン・ピューレン/ミルフォード・グレイヴスのフリーに羨望の眼差しを向けているような一族であり、とりわけ《空間》に熱中している一族である。ここでの空間とは、たとえば「フリー・ミュージックとはメロディ・ラインの自由のなかにサウンドのための空間がつくり上げられなければならない」(マンフレート・アイヒャー)という意味のそれである。」
 ECMのアイヒャーが引用されているのに驚きますが、これはポスト・フリーを感じさせる作品が挙げられている中に、初期ECMからバール・フィリップス&ディヴ・ホランドとかサークルの作品が入っているためです。それでは続いて、清水俊彦がレイシーと共にポスト・フリーの主要な軸として挙げているアンソニー・ブラクストンを聴いていくことにしましょう。彼はブラクストンについてこう書いています。「それぞれの音が最大限の効果をあげるように選択し、論理的なフレーズのそばに突然の叫びを置き、怒りに静けさを連れ添わせるようにして、それらを組織的に組み立てながら、ブラクストンは完全な孤独から徹底した混沌へ、さらにはそれを突き抜けて真空の音楽へと全力疾走を行っている」
■Anthony Braxton/For Alto(Delmark) 1971
 一方、スティーヴ・レイシーは間章との対話の中で、ブラクストンをこう評しています。「彼はチェスのうまい男という感じだ。まるでチェスをやるように演奏する」。さらに清水俊彦の評を重ねてみましょう。「彼は、空間が意味をもつためには、それは満たされ、組織されねばならないという考えに熱中していたのだ。このことは『Saxophone Improvisations Series F.』でひとつの頂点に達し、強烈な内的無必然性を発揮することになる」
■Anthony Braxton/Saxophone Improvisations Series F.(America30) 1972
■Anthony Braxton/Anthony Braxton(BYG) 1969
 このBYG盤はAEOCの活躍の陰に隠れてしまいがちですが、AEOCの演奏の素晴らしさの多くの部分が演劇的な異化効果を活かしたアクション/サウンドの再構成としてとらえられるのに対し、ブラクストンはミクロで壊れやすいサウンドをまるでパペット・ショーのように構築していて、等身大の演奏との組合せがとても面白い、「演劇的」とだけでは説明できない盤になっています。こうした従来のフリーとは全く異質のサウンドの振幅をとらえるため、ダニエル・ヴァランシアンによる録音もまた革新的/創造的です。
 さて、清水俊彦はAACMの登場を次のように記しています。「1967年にコルトレーンが突然この世を去り、ジャズは大きく賃貸しはじめ、フリー・ジャズにおいても《叫び》の規格化が著しくなってきた。こうした状況のなかで、『ジャズはまだ自由ではない』(ロスコー・ミッチェル)とのラディカルな認識に立って、独自の立場から自由を追求しながら、それがどのように達せられるかということを知りはじめた一群の若い黒人ミュージシャンたちが台頭してきた」
 彼らの初期の代表作を、清水による描写/分析を曲と同時進行で紹介しながら聴いてみることにしましょう。
■Art Ensemble of Chicago/People in Sorrow(BYG) 1969
 いまB面の前半部分を清水俊彦の描写/分析と同時平行で聴いていただきました。批評の対象をどう批評文の中に召喚するかという時、文芸批評ならとりあえず書き写せますが、音楽ではそうはいきません。描写するよりない。そして描写においてすでに分析/批評的なものは発動しているのです。こうした描写/分析を回避してしまう批評も多い中で、清水の描写/分析の強度はやはり特筆すべきものでしょう。それでは前半の最後に、哀しみの極といった「苦悩の人々」とは対照的に、黒い哄笑に満ちた彼らの演奏を聴いてください。
■Art Ensemble of Chicago/Jackson in Your House(BYG) 1969  【前半終了】


スティーヴ・レイシー「森と動物園」
Sound Cafe dzumiでかかったオリジナルLPでは、ソプラノの軋み、トランペットの掠れ、ベースが指板の上で立てるスクラッチ、シンバルの倍音等の間に、まるでテグス糸のように精妙に張り巡らされた響きの連なりを聴くことができた。


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レクチャー内容 | 21:50:30 | トラックバック(0) | コメント(0)
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