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福島恵一

Author:福島恵一
プログレを振り出しにフリー・ミュージック、現代音楽、トラッド、古楽、民族音楽など辺境を探求。「アヴァン・ミュージック・ガイド」、「プログレのパースペクティヴ」、「200CDプログレッシヴ・ロック」、「捧げる-灰野敬二の世界」等に執筆。2010年3~6月に音盤レクチャー「耳の枠はずし」(5回)を開催。2014年11月から津田貴司、歸山幸輔とリスニング・イヴェント『松籟夜話』を開催中。

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ディスク・レヴュー 2014年1〜5月 その2  Disk Review Jan. - May 2014 vol.2
 ディスク・レヴューの第2回は、エレクトロ・アコースティックなインプロヴィゼーションからの7枚。「エレクトロ・アコースティック」と言いながら、必ずしもそうした定義の当てはまる演奏や作品が選ばれている訳ではない。一方に器楽的なインプロヴィゼーションを置き、もう一方にフィールドレコーディングやアンビエント、ドローン等を置いた時に、それらの中間領域、あるいはそれらに対して第三極を構成するような領域を指し示すものとして、所謂「サウンド・インプロヴィゼーション」とか、「音響派的即興」の代わりに用いた語なのだが、今やインプロヴィゼーションに軸足を置いていないWandelweiser楽派やAlvin Lucierの作品演奏、さらには「非即興」を標榜するstilllifeの演奏もここで取り扱っている。「器楽的」に比べ、楽器や演奏者の固有の輪郭がより「響き」へと溶解し、「音を出す」以上に「音を聴く」ことへと重心を移しながら、かつフィールドレコーディング作品にはない「演奏性」を、身体の介入の度合いにおいて、あるいはポスト・プロダクションを含む構成面でいまだ濃密に残しているものとでも説明できようか。そこでインプロヴィゼーションとは、触知的なものを含め、「聴くこと」を鋭敏に反映する身体のあり方/身体作法にほかならない。「現代音楽の作曲作品」といった作り手側からの分類ではなく、聴き手側からの聴取に基づく分類の提案として受け止めていただければありがたい。


Anne Guthrie / Codiaeum Variegatum
Students of Decay SOD103
Anne Guthrie(french horn,electronics),Dan Bindschedler(violoncello),Joseph Digerness(contrabass),Billy Gomberg(mixing)
試聴:http://studentsofdecay.com/post/59038637275/anne-guthrie-codiaeum-variegatum
 ふくよかな低弦の重層に、空間をゆったりと這うフレンチ・ホルンがさらに重ね合わされる。フレンチ・ホルンの音色は風にたなびき、陽炎となって揺らぎ、次第に減速しながらゆっくりと輪郭を崩壊させ、空間に溶け広がっていく。いつの間にか、小鳥がさえずり、水音が辺りを浸している。楽器の音が止むと、犬の吠え声が彼方から響き、遠い山並みが姿を現す。続いて環境音の広がりにゆったりとした弦が重ねられる。だが、弦の響きはすぐにテープ変調により変形され、その場にどろりと横たわる。フレンチ・ホルンの引き伸ばされた一音が均衡を失い、力なく解けていくが、それが電子変調によるものなのかどうかわからない。至るところ不整合な綻びが生じ、細部は溶けたように曖昧で、輪郭も奥行きもはっきりしない。揺れる音色の不確かな手触りとぐったりとした重さ。視界の曇り/歪みと色彩の混濁。これがもし電子音のみのコンポジションだったなら、こうした割り切れなさは生じないだろう。特殊奏法やアンサンブルの干渉により音自体を不安定に変化させつつ、さらにマイキングを工夫して空間/距離を導入し、それぞれに固有のパースペクティヴをはらんだアコースティックな楽器/環境音の混合物に、少しばかりのエレクトロニクス変調を施すことによって、かくも魅力的な「耳の迷宮」が地上に降り立つ。蟻に食い荒らされ、筋だけになった葉が重なりあうオールオーヴァーなジャケットの光景は、ここに収められた響きの特質を象徴している。彼女の作品では以前に『Perhaps A Favorable Organic Moment』(Copy for Your Records)を採りあげているが、音空間の不可思議な豊かさは比較にならないほど深まっている。


Partial / LL
another timbre at70
Noe Cuellar,Joseph Clayton Mills
試聴:https://www.youtube.com/watch?v=9VGUT14HtHg
 シカゴのヒスパニック地区のリサイクル・ショップで行われた倉庫の在庫(おそらくはガラクタを含む)を素材としたインスタレーション制作をきっかけとして、ライヴの企画が持たれ、さらにそれらを音素材として、ポスト・プロダクションによる入念な構築が為された本作品が産み落とされた。いかにもな楽器音や電子音は登場しない。擦る音、機械仕掛けの作動音、床に落とした金属パイプ、がさがさと騒々しくかさばった物音、どすっという落下音、弾かれたピン、重苦しく湿った沈黙、床下から響く排水管の共鳴、風に吹かれたガラス窓の震え等々の多彩な音素材がループ処理等を含め緊密に組み立てられ、ときには古めかしいミュージック・マシーンと聴き紛う音を立てる。ここで注目したいのは、おそらくは豊かな記憶をたたえ、また興味深い物語を秘めた素材を扱いながら、そうした意味的な次元を一度剥ぎ取った上で、音色配合的に組み合わされている点だ。空間をコラージュの台紙に見立てて遠近法的な構図の中に数多くの素材を張り巡らすのではなく、一つひとつの音素材がはらむパースペクティヴを尊重し、多くの素材を重ねることなく、むしろ直列につないでいく。これにより全体は場面の連続として構成されるが、先に見たようにそこから物語性(あるいは演劇性や象徴性)は注意深く排除されている。Aminist Orchestraがコンポジションを演奏したり、あるいはstilllifeのライヴ・パフォーマンスをズタズタにプロセッシングすれば、似たような感触が得られるかもしれない(まあ無理だろうが)。この危うい連なりを築き支えているNoe CuellarとJoseph Clayton Millsの研ぎ澄まされた耳の強度には驚かされる(なお前者はCoppiceの、後者はHapticのメンバー)。最後に収められたオルゴールの音色は、これらの作業が基づいている「作動原理」を種明かししているように感じられる。秀作揃いのanother timbre(最近やや低調だったが)でも出色の出来と言えよう。ここにはレーベルの「原点/原典」と言うべきHugh Daviesを思わせる感触がある。


Dan Senn / The Catacombs of Yucatan
Periplum P0030
Dan Senn(all the instrumental sounds)
試聴:http://www.art-into-life.com/product/4586
   https://www.youtube.com/watch?v=hf5zOKfd9IU
 前掲作からの流れでこれを。1998年作品のデッドストックを最近入手。自作の音響彫刻によるサウンド・コンポジションなのだが、Harry BertoiaやBaschet兄弟のそれと異なり「彫刻」が動いて音を発生するため、響きは多様で、かつ時間経過により変化する。その点ではJoe JonesやPierre Bastianに近いのだが、それらがパット・メセニーのオーケストリオンにも似て既成楽器の音色に近いのに対し、Dan Sennの制作するものは、弦の震えにしろ、金属の軋みにしろ、倍音が豊かで不定形の特異な音色を持つ。私の知る限り最も近いのはMax Eastleyによるサウンド・インスタレーションだが、機械仕掛けによる非人間的で不均衡なリズムはDan Senn独自のものだ。ちなみに「非人間的」とは所謂「マシーン・リズム」を指すものではない。「彫刻」の写真を見ていただければわかるように、至るところ「遊び」があり、それが不均質さを通じて、予想し難い豊かな結果を生み出している)。そこには世界に向けて開かれ澄まされた耳の眼差しの比類ない強さが感じられる。音響彫刻やサウンド・アートよりも、むしろ前掲のPartialやCoppiceからstilllifeへと至る流れの先駆としてとらえたい。彼のウェブ・ページ(※)もぜひ参照していただきたい。
※http://www.dan-senn.com/index.html

本作で「演奏」されているDan Sennによるキネティックな音響彫刻の数々


Shinobu Nemoto / Flowers
Analogpath 009
Shinobu Nemoto(acoustic guitar,feedback,reel to reel)
試聴:https://soundcloud.com/experimedia/shinobu-nemoto-flowers-album
 初めて聴くレーベル。まとめて取り寄せた中から選り抜きを紹介したい。レーベルとしてはアンビエント系が中心なのだが、本作品は多重録音を用いたアコースティック・ギターのソロ。繊細な弦の震えが長く尾を引いて、やがて視界すべてを覆うまでに深みを増す。ゆったりとしたたゆたいの中に、フィードバックによるうねりが生まれ、砕け散ることなく波頭を高く持ち上げる。表面をいささかも崩すことのない、ねっとりとした移ろいは、深海の底流を思わせる。聴き手の身体を重く浸し、否応なく運び去るくらい水の流れ。ピッキングが重ねられ、フィードバックのレイヤーが敷き重ねられていっても、多層による構造の感覚は薄い。底の知れない奥行き深いドローンの内部でかたちのない力がうごめいている。エレクトリックではなく、アコースティックのギターを音源に用いることで、ピッキングから立ち上がる一瞬の響きをかたちづくる振動や共鳴、それらの相互干渉等の様相/推移が精密に描き出されており、その宝石細工にも似た繊細極まりない豊穣さが、続くフィードバックによるドローンを、やはり繊細に彫啄された透明度の高いものとしている(エレクトリック・ギターが音源ならば、もっと解像度の低いのっぺりしたものとなっただろう)。演奏者の深く澄まされた耳の強度を感じさせる。それゆえ、時に耳を圧する高まりを見せながら、決してノイジーではない。せせらぎに身を浸す快楽。2012年作品と新譜枠で紹介するにはやや時間が経過しているが、初お目見えレーベルということで採りあげた。


L'Eix / Empra Mots
Audiotalaia atp003
Ferran Fages(acoustic guitar),Oriol Rosell(electronics),Julia Carboneras(interactive devices)
試聴:https://soundcloud.com/audiotalaia/leix-fages-rosell-carboneras
 アコースティック・ギターのきらめきが拡大され、弦の震えが心もとなく空間を渡るうち減衰し、最初均質な広がりを描いていた響きは次第によじれわだかまり、不定形で穴だらけの何者かへと変貌を遂げていく。がさがさとした希薄な、だが摩擦の大きいエレクトロニクスが干渉の機会をうかがう。ぶくぶくとした低域の泡立ち、高域で明滅するスクラッチやスプレー・ノイズ。こうした電子音の微細さを反映して、ギターの音程のミクロな揺らぎ、指板の軋み、立ち上がりの歪み、ボディの部分共振、残響の不均衡等が拡大強調される。両者の相互作用は次第にそれぞれの素材の旨味と香りを引き出し、マリアージュの魔法を通じて、サウンドのスープを複雑で滋養溢れるものとしていく。そうして濃密さを高めながら、音空間は決してどろりとした不透明さをたたえることなく、どこまでも見通せる透明度と隙間の風通しのよさを保っている。エレクトロ・アコースティックなインプロヴィゼーションの領域で、Ferran Fagesはもはやディスク・レヴューの常連だが、本作品も彼と共演者の開かれた耳を感じさせる実に素晴らしいものとなっている。


Banks Bailey / A listening of Stones
Fungal Records #51
Banks Bailey(percussion,fieldrecording,electronics)
試聴:http://www.art-into-life.com/product/4561
 霧の立ちこめた深い森の響きと、仏具を思わせる残響の長い打楽器の演奏が重ね合わされる。音色と響きを確かめるような間を置いた打撃。彼方で響く切れ切れのガムラン。虫の声。暗がりで静かに明滅する各種打楽器。辺りに立ちこめ視界を奪う電子音。夢の中から響いてくるせせらぎと潮騒、遠くの歓声。風が運んでくるマリンバの共鳴と鳥の声。輪郭が滲んでもはや出所も形状も定かではない音響の集積。ここで世界はすべて、テーブルに置き忘れられた南国の果実を思わせる甘ったるい腐臭を放っている(それは沈黙にすら沁み込んでいる)。ゆらゆらと陽炎のごとく揺れる、うとうとと夢うつつの残響の楽園/廃墟。こんなものばかり聴いていると本当に廃人になってしまいそうだ。だがそれでもいいと思わせる堪え難い魅惑がここにあるのも確かだ。ケースには植物の葉が封入されている。在りし日の旅の記憶の暗示?(日記帳の間から滑り落ちる1枚の押し葉)。限定70部。


stilllife / Color of Winter
No Label
Takashi Tsuda,Hiroki Sasajima
試聴:
 水の滴り/流れの心地よい滑らかさの後、しばらく間を置いて「かわらけ」をかき混ぜるざらざらと乾いた響きが横切っていく。金属の思い響きが混じるから、石の上で金属を引き回しているのかもしれない。その角ばった触感が耳にヤスリがけしていく。と同時に手元の明るみを覗き込む眼差しとその明るみによってぼうっと照らし出される空間の広がりを感じずにはいられない。カラスが鳴き、小鳥がさえずって、朝の張り詰めた冷気が訪れ、カンテレの弦の震えが澄み切った空気に放たれ、水の湧き出る清冽な響きとともに高く高く昇っていく。ここはライヴよりもはるかに透明な突き抜けた解像度に、思わず耳がそば立つところだ。手前の水音の彼方に広大な空間が開ける視角に、笹島のフィールドレコーディング作品に通じる遠い眼差しを感じる。一方、そこに佇むぽこぽこと丸み/温かみを感じさせる水音や砂利を踏む足音(それは次曲における雪を踏む足音の彷徨へと引き継がれて、旅/移動/漂泊のイマジネーションを鋭く喚起する)は、至るところに記憶の痕跡を見出し、ふと物語を浮かばせる津田の澄まされた耳を思わせる。そうした「自然な調和」を横切っていく交通ノイズを排除することなくそのまましなやかに受け入れ、それでもなおびくともしない竹のような勁さは、いかにも彼ららしい。本作はサウンド・インスタレーションを基本素材とした前作『Indigo』よりはライヴな演奏性へと傾きながら、現在、彼らが展開しているライヴ・パフォーマンスとは、また全く異なる位相を示している。それはCDというパッケージされた録音作品に対する彼らのこだわりのゆえだろう。彼らはいま、いよいよフルレングスCDのマスタリングに取りかかっている。そこには先日の野外ライヴの体験は反映するのだろうか。それがどのようなものとなるか楽しみだ。
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ディスク・レヴュー | 21:58:43 | トラックバック(0) | コメント(0)
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