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福島恵一

Author:福島恵一
プログレを振り出しにフリー・ミュージック、現代音楽、トラッド、古楽、民族音楽など辺境を探求。「アヴァン・ミュージック・ガイド」、「プログレのパースペクティヴ」、「200CDプログレッシヴ・ロック」、「捧げる-灰野敬二の世界」等に執筆。2010年3~6月に音盤レクチャー「耳の枠はずし」(5回)を開催。2014年11月から津田貴司、歸山幸輔とリスニング・イヴェント『松籟夜話』を開催中。

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近藤秀秋様 新作『アジール』について  Dear Hideaki Kondo On Your New CD "Asyl"
近藤秀秋様
 新作のCDありがとうございました。近藤さんのソロ名義の新作『アジール』は素晴らしい仕上がりとなっていると思います。しかし、今の私(の志向する聴取)は、その素晴らしさを素直に受け入れられないでいます。

 全編を通じて、弦の振動の推移を凝視する耳の視線の強度が特徴になっていて、それはこの作品の大きな魅力になっていると思いますし、非常に共感するところです。と同時に、そこに壊れやすさや移ろい、滲み、もつれといった感覚が入り込む余地がなく、そそり立つ建築のような揺るぎなさが、全体をピンと張り詰めさせていることに、近藤さんの一点を見詰める眼差しと思考の「揺るぎなさ」を感じます。
 いただいた盤には録音のクレジットがないので、これは推測ですが、おそらくは録音にも近藤さんの意図は深く浸透しているのではないかと思います。この作品が隅々までよく考え抜かれ、磨き上げられたものであることは疑い得ません。ともに近藤さん自身の作曲によるとは言いながら、冒頭曲から2曲目へと曲想や演奏手法は異なっているのに、それをとらえるキャメラの視角、映像のトーンはまったく揺るぎなく変わることがない。闇に浮かび、モノクロームに覚醒した世界。あるいはそうした黒と銀の世界ではなく、ジャケットの写真に見られるような、夜の底が白々と明けて来た頃のどこまでも透明な青に浸されているのかもしれませんが。

 そうした世界の揺るぎなく堅固な構築性は、おそらくは本作中で最も野心的な3曲目「漂泊者の歌」にも見事に及んでいて、今回の近藤さんとはおよそ資質の異なるはずの河崎純さんのコントラバス演奏を、まるで精神的な「双子」のように聴かせています。それは丸みや木の質感を排したソリッドな録音のせいでもあるでしょう(musicircusで2013年のベスト30の1枚に選んだ河崎純『Biologia』は、木肌の手触りと人肌の気配を感じさせる録音でした)。そして萩原朔太郎の詩はあえて英訳され、言葉にまとわりつく意味や物語性やイメージを脱ぎ捨てて、日本語に特徴的な母音の丸みや甘やかささえ置き去りにして、迸る子音の鋭さに声/息の流れを委ねています。そこに先ほどの揺るぎないギター演奏の正確に延長上で展開される、サワリどころか弦の震えを眼を擦り付けて見詰めるような琵琶演奏と、抽象化された声/息(ヒグチケイコによる)が切り結ぶ「純粋空間」とでも言うべきものが開けています。ここでもベース・ソロによる長大なイントロダクション、あるいは声の劇的な強度にもかかわらず、音世界のパースペクティヴの中心にあるのは、明らかに(ギターの化身としての)琵琶にほかなりません。

 そのことがまったく別の形で明らかになっているのが、続くアストル・ピアソラ作曲による「Night Club 1960」です。オーボエの響きは豊かな情感をたたえながら、私にはいささか音景から遊離しているように聞こえます。原曲のフルートではなく、クラリネットでもサックスでもなく、あるいは管楽器の代わりによく用いられるヴァイオリンでもなく、あえてオーボエを選択した理由は人脈的なこともさることながら、むしろこの音色的な遊離、全体に暗めの照明設計の中でそこだけハイライトが白く飛んでしまうような……にあったのではないかと考えます。ギターへの視角が一定不変なのに対し、ここでオーボエに対する録音は、むしろギターとオーボエを同一の視角に見込むことを意図的に回避し、奥まった位置にあるギターに焦点を合わせたパースペクティヴにおいて、手前を、あるいは上空を「通過する」ものとしてとらえることを目指しているように聞こえます。それゆえ、オーボエの描き出すメロディよりも、それを支えるギターの動きがクローズアップされてくることとなります。これは明らかに確信犯的所行でしょう。

 Alban Bergの歌曲「Hier ist Freude」の演奏においても、室内楽版を元にしたと想像される編曲の中で、ベースの低くくぐもったアルコと常に遠さをはらんだピアノを後景として、オーボエに前景を横切らせ、ギターがしっかりと中景に位置取り、フォーカスはここに当てられています。ここでは三景にそれぞれ配された四者の動きがポイントなので、オーボエは「横切る」と評したように大きな振幅で動きながら、それでもピアソラの場合と違って、しっかりとフレームの中にとらえられています。今回、各楽器の空間内の配置を含めたアレンジメントはこの曲が一番大変だったのではないでしょうか。感服します。

 ゆっくりとした運びで奏でられる「Blue in Green」もいい演奏だと思います。ここではベースがギターの「(少し下がって)傍らに立つ」配置もよく考えられていると思います。特に後半、さらに歩みがゆったりと引き伸ばされて、和音の思いがけない揺らめきや弦の振動への凝視が際立ってくるあたり、全編を通しての抑揚への配慮を含め、首尾一貫して見事と言えるのではないでしょうか。あたかも「最後は癒し系のジャズ・スタンダードで締めくくる」ようなふりをして。

 いろいろと賞賛しておいて、一体何が不満なのだと言われるかもしれないけれど、まさにこの「揺るぎない構築ぶり」に対して、どうしても留保を付けたいというわけです。
 昨年、リマスター版CDの発売に合わせたレッド・ツェッペリンに関する単行本『解読 レッド・ツェッペリン』(河出書房新社)に、まったくZEPファンではないにもかかわらず原稿を書くことになり、彼らの作品を聴き返したのですが、第1作での音響構築の揺るぎなさに、まず改めて打ちのめされました。私が書いたのは何枚かの関連作品のディスク・レヴューと『Ⅲ』の評文だったのですが、第1作における「アコースティック」と思われているものが、いかに空間への響きの広がりを排した隙のない稠密な音響構築であるかを論じ、そこからほどけ、解き放たれていったものが、『Ⅲ』において、あたかも植物が芽吹き花を咲かせ実を結ぶように、「アコースティック」という新たな「開放的」次元に達したかを論じるものとなりました。そこから振り返ると、第1作の、たとえば「ブラック・マウンテン・サイド」で「アコースティックな響き」として聴かれるものは、仏塔の水煙のように稠密な金属に彫啄された、あらかじめ計算され尽くしたものにほかならないと。私見ではこの「アコースティック」性が彼らの作品において様々な要素の共生を許し、豊かな達成を生み出しながら、最終的に『プレゼンス』においてジミー・ペイジが第1作をリモデルした新たな鋳型を適用することで絞め殺され、それが結局ZEP自身の最期を早めたと考えています。

 ジミー・ペイジの話を持ち出したのはほかでもなく、今回の試聴盤に付された案内文にある「多様化する芸術音楽をポストモダンの視点からギターの一点に統合する試み」、「違うパラダイムの上にある音楽を、ポストモダン的な視点からギター音楽を一点に還元」という主張を、寸分違わず音化した作品だなと感じたからです。その背景には長期に渡り執筆されたという『音楽の原理』があるのでしょうが、そうした原論志向の危うさを含め、むしろ演奏あるいは録音/再生によって空間に解き放たれた音とそこに伴う響き(そこには様々な傷や汚れ、滲みやしみ、アレ・ブレ・ボケといったものが不可避的に含まれてきます)を、作曲者/演奏者の意図に還元し尽くしてしまわないことを前提として聴くことを深め、同じ場所にいる一人ひとりが別のものを聴いていることを前提にしたリスナーシップを考えようとしている今の私にとって、優れた作品であればあるほど、ここはどうしても留保を付けたいところです。

 最後にタイトルにも触れておきましょう。不思議な題名だなと思って、タイトル選定の意図を近藤さんにお尋ねしたところ、ここで『アジール』とは「聖域」を意味し、音楽の中の聖なるものに触れていると、そしてドイツ語の「アジール」がそうしたイメージを色濃く有しているとして選ばれたと答えてくださいました。確かに英語の「アサイラム」では日頃のアメリカ合衆国絡みのニュースにも出てくるため、キリスト教原理主義的な印象が付いて回るところがあります。
 もともと私が「不思議な題名」だなと感じた理由は、私が「アジール」という語に初めて出会ったのが、網野善彦『無縁・公界・楽』の文脈で、「社会的関係性を断ち切ることのできる場所」としてだったからです。犯罪者が逃げ込めばつかまらないという点で「悪場所」的なイメージを持ったりもしました。実際、社寺のような「聖なる場所」だけでなく、川の中州のような流動にさらされた、誰のものでもない「平滑空間」(「条理空間」に対するものとして)もまた、「アジール」として機能していたようです。かつての「アジール」の現在形を求めるのは難しいですが、治外法権的な「悪場所」については、依然として中州に栄えていたりしますね。以前に福岡市を訪れた時、その辺だけ道路が入り組み、ソープランドが集まっていたりして、「なるほど」と。これはもはや都市社会学の世界ですが。
 私が本作品と行き違ってしまった理由の一端は、こした「アジール」という概念を巡るすれ違いにあるのかもしれません。ここにあるのは、むしろ徹底して「条理」化され、隅々まで視線を届かせ、管理を行き渡らせて、磨き上げられた空間にほかなりません。この国のポップ・ミュージックで、いや音楽全般において、ここまで演奏者=制作者の意図を細部まで浸透させ尽くした作品がつくりあげられるのは、極めて希有なことだと思います。その点でも実に見事な達成と言えるのではないでしょうか。

それではまた。よろしくお願い申し上げます。
    福島恵一

アジール
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ディスク・レヴュー | 18:51:17 | トラックバック(0) | コメント(0)
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