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福島恵一

Author:福島恵一
プログレを振り出しにフリー・ミュージック、現代音楽、トラッド、古楽、民族音楽など辺境を探求。「アヴァン・ミュージック・ガイド」、「プログレのパースペクティヴ」、「200CDプログレッシヴ・ロック」、「捧げる-灰野敬二の世界」等に執筆。2010年3~6月に音盤レクチャー「耳の枠はずし」(5回)を開催。2014年11月から津田貴司、歸山幸輔とリスニング・イヴェント『松籟夜話』を開催中。

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音は自らの響くべき空間を必要とする  Sounds Need Spaces Where They Ought to Actualize Themselves
 「7年」という1つの周期を終えて(前回タイトルの「周期律表」とは、そのことへのオマージュにほかならない)、新たなステージへと踏み出した「タダマス29」は、音源の選定・構成・配列において洗練の度合いを増しながら、同時に、これまで築き上げてきた視点に安住することなく、果敢にも多くの問題を提起する回となった。この充実した一夜をこれから振り返るにあたり、その全体像をバランスよく再現することを目指すものではないことを、あらかじめお断りしておかねばならない。総ての論点を採りあげるわけではなく、また、言及したテーマについても、主催者のねらいを読みとるというよりは、その場に放たれた音響や言葉、ホストの二人やゲストのやりとりや反応に触発された思考やそのいささか恣意的な展開であることを。
 なお、当日のプレイリストについては、次を参照していただきたい。
http://gekkasha.jugem.jp/?cid=43767

 冒頭のEmma Frank『Ocean Av』の生ギターの響きが、スピーカーの重力圏をするりと脱し、ぽっと中空に浮かび上がり、香りを広げる。録音のせいだろうか、以前とだいぶ鳴り方が違うと感じられた。響きが漂う自由度が高い。まるで大型スピーカーではないような軽やかさと点音源的な音場表現。「前半は女性ヴォーカル特集」との益子の事前予告通りに幕が開く。タダマス的にはAaron ParksとJim Blackの参加がキモとなろうが、ヴァイブのきらめきで空間を横切り、駆け抜ける前者のエレピは確かに効果的。優美なメロディをたたえた70年代フォーキーあるいはアコースティックへの回帰と、さらりと流されてしまいそうなところを、多田が「『アコースティック』の一語ではくくれない。どのような空間に響いているのか、響き方の志向/思考を見なければならない」と食い下がっていたのが印象に残っている。

 続いては、タダマスで言及されることの多い女性歌手Sara Serpa『Close Up』。益子が決して「歌もの」ではなく、むしろ器楽的というか、声を楽器のひとつとして取り扱っており、なおかつ超絶技巧スキャットとかヴォイス・インプロヴィゼーションの方へと向かおうとしていないと紹介する。声、サクソフォン(Ingrid Laubrock)、チェロ(Erik Friedlander)という腕達者を集めた特異な編成。ワードレス・ヴォーカルが提示したリフレインにチェロの刻みがアクセントを付け、その上にソプラノがさらさらとドローイングの線を走らせ、次いで上下をリフレインに挟まれた声が、声だからといってトップを取らず前面へと進み出ないで、まるでヴィオラのように味わい深い展開を見せる。続く曲では、ハミングや鼻歌にも似た、倍音を多く含み輪郭を溶かした音色で、声がゆったりと歩みだし、北欧サーミ族の民族歌唱ヨイクを思わせる仕方で空間を渡っていく。やがてチェロがピチカートで、テナーがやはりアクセントで加わり、一瞬、声が上層に浮かびかけるが、すぐまた室内三重奏の一部に収まる。ここで紹介した二曲ではワードレスだが、作品には歌詞の付いた曲も収められているとの益子の弁。(特に声の)役割が変わっているとゲストが指摘する一方で、共に声がスキャット風にならず、まるでハナモゲラ語みたいに半分言語っぽいことに益子が言及する。私には、言葉の発声にどこまでも寄り添うことで、音高の動きやリズムとしては器楽へと向かいながら、音色の変化や立ち上がりという点では声の独自性を活かすことを目指しており、それが成功しているように感じられた。

 続いては「懐かしい名前」と紹介されたSusie Ibarraだが、冒頭、大太鼓の皮のどこかざらりと乾いた鳴り響きがぽっと浮かんだ瞬間、耳がピンと立つ。全体としては、先の太鼓のリズムにたおやかな南国楽園風の弦と女声が木陰をつくり、時に枝葉をしなだれかからせて、一見、ペンギン・カフェや周防義和に似た無国籍エスニック音楽へと着地するのだが、注意深い耳は「遅さ」や「遅れ」を構築する打楽器をはじめ、複数の層がずれ合いながら押し引きする様を看て取ることだろう。多田が「三層のレイヤーがずれながら、ところどころピタリと合ってくる」と表現し、益子がMilford Gravesを引き合いに出して、Ibarraを「やはりジャズ・ドラマー的ではない」と指摘することに、同様の眼差しを感じる。続いて披露された2分半ほどの短い曲で、グラス・ハーモニカの重なりのようなエレクトロニクスに、弦のフラジオと金属打楽器の弓弾きが重ねられた雲状の音響には、多田が陶器の糸底を摺り合わせる音が生理的に駄目なんだと白旗を挙げていたが、視界ゼロの中を、触覚だけを頼みに手探りで進む感じは、むしろ前曲のずれ合いの感覚がどこから来ているかを、正確に照らし出していたように思う。作品のタイトルである『Perception』=「知覚」とは、そのような各層の不安定な重なり合いのうちに、微細な差異を揺れや震えととらえ、ある像を浮かび上がらせずにはおかない、我々の知覚の本性=限界を指し示したものではないだろうか。「タダマス」の場では言及がなかったが、執筆の際に本作の演奏者クレジットがDreamtime Ensembleと総称表記されていることを知った。ベタの名前だが、なるほど、そういうことか……とひとりごちずにはいられない。夢とはまさに浮遊する情報の断片から、像を物語を捏造することにほかなるまい。

 Bobby Previteの名前はさらに懐かしい。『Godard / Spillane』や『Film Works』シリーズの初期など、ある時期のJohn Zornの作品群(それらは「ヴィデオ的」と言うべきNaked Cityに先立ち、「映画的」としか呼びようのない共同作業の奇妙な幸福感に満たされていた)に無くてはならないドラマーだった。今回披露された『Rhapsody - Terminals Part Ⅱ, In Transit』からの9分を超える「All Hands」では、Nels ClineのギターとZeena Parkinsのハープが見事にブレンドされ、中国箏の滑るような輝きを映し出すうちに、どんどん楽器が重ねられ、Jen Shyuの情感滴るほどのヴォイスや二胡まで加わって、息苦しいほどのエキゾティシズムと、戦乱渦巻き群雄割拠する中原を一望するが如き壮大さと、手に汗握るどころか露骨に心臓に負担をかけるドラマティックな劇的展開が、これでもかとばかりにメガ盛りに積み上げられていく。「これSteve Howeじゃないの」との多田のボケに深くうなずくほどにプログレ的であり、一時のPat Metheny風であり、またハリウッド・サントラ風でもある。胃もたれ感は半端ないが、どブルース的な乾いてささくれ立ったスライド・ギターと濡れたようにまばゆい中国箏の間に、思いがけない類似の線を走らせる鋭敏な感度も有している。

 前半最後はおなじみ「タダマス」常連Mary Halvorsonの『Code Girl』。ベースの弓弾きの太い音色が深々とした流れをつくりだし、屋根に弾ける春の雨のようにパタパタと軽く砕けるドラムスやギターに伴われて、インド系だというAmirtha Kidambiの声が深い悲しみをたたえ、しかし前をきっと見据えながらゆっくりと歩みだす。ヴィブラートを排した詠唱と、ゴスペルやトラッドを思わせる旋律は、その血統を感じさせない(幕間にエスニック色が強いと紹介された彼女のソロ作も、むしろ私にはR.I.O.風に思われた)。トランペットの飛翔が悲しみと厳かさを倍加させる。かつて聴いたMichael Mantler『The Hapless Child』がこんな感じではなかったと、ふと記憶が甦る。こちらのヴォーカルはRobert Wyattが務めていたから、もっと線は細かったが、益子の指摘する「感情の抑揚を前面に出す」という点は当てはまっていよう。

 「女性ヴォーカル特集」と言いながら、確かに各作品とも女声はフィーチャーされているものの、ジャンルとしての「女性ヴォーカル」に当てはまるのは、おそらく1枚目だけだろう。その辺も「ジャンル」でものを考えない「タダマス」らしい。そして、その一方で、リーダーが歌っていない3〜5枚目についても、決して声が添え物ではないトラックが選ばれ、アンサンブルの中で声がどのように位置づけられ、他とどのような関係を築いているのか、きちんと聴かせようとしているのが、また同じく「タダマス」らしい。
 Mary Halvorsonはこれまでの作品で自らヴォーカルを取ることもあったのだが、自らのヴォーカリストとしての能力の限界をわきまえていて、今回の作曲を演奏するにあたっては別途ヴォーカリストを招くこととしたとインタヴューで述べている旨を、益子が紹介していた。彼女独特のエフェクトの使い方についても、機械をあれこれいじっていて偶然出たものだが、人間の声みたいで面白いと思ったと語っているとのこと。


 この日の前半が佳曲揃いだったのに比して、後半は賛否が分かれることとなった。冒頭のMegumi Yonesawa/Masa Kawaguchi/Ken Kobayashi『Boundary』は、ESP-Diskからのリリースということで全編即興によるフリーとのことだが、「合わない/合わせない」ことへの恐怖が先にあって、それにフリーらしき外見をまとわせようとするから、どこへ行くにもみんな寄り添って、3人の間が少しも広がらない惨めな有様をさらすこととなった。「ダメな例」として採りあげたとのことだが。
 続くThomas Stronen Time Is A Blind Guide『Lucus』も、かすれた弦の断片が繰り返し現れ、ガラス窓を叩く雨粒のようなピアノ/ドラムと重なり合って、寄せ手は返す波の映像を経て、ガラスの表面をつーっと走る水滴に至る変容/構成はなるほど巧みであり美しいと言ってよいが、やはり何と言っても強度が低く人畜無害に過ぎる。「みんなで聴くのは気持ち悪い」との多田の言に同感。

 私にとっての後半のハイライトは、続くJozef Dumoulin & Orca Noise Unit『A Beginner's Guide to Diving and Flying』だった。最近、やはり「タダマス」常連になった感のあるDumoulinに、Louis Sclavisの初期を支えたBruno Chevillon(cb)、Evan Parkerとの共演も素晴らしかったToma Gouband(dr,perc)、さらにEve Risserのオーケストラから若手管楽器奏者2名という期待しない方がおかしい垂涎モノの編成。果たして、暗闇の中にうごめく何物かの気配、漂う吐息、たちのぼる倍音、鉱物質のちっぽけな、だが鋭い打撃、剛直な弦の震え、消え入る残響、肌に触れてくる多多種様な息のかすれが、空間に巧みに配置され、揺れ、震え、滲んで、溶け出し、渦を巻いて、沈潜と遡行を繰り返す様がありありと浮かぶ「盲目の劇場」となった。Marion Brown『Afternoon of A Georgia Faun』(ECM)の体感温度を下げて、息が白く見えるほどにし、より精密繊細にしたと言えば通じるだろうか。
 ここで面白い議論の展開があった。「音楽が鳴り響く空間の可能性はまだあることを示した」との多田に対し、ゲストの則武が「統一された質感の存在」を指摘した後、こうした音をライヴで眼の前で聴くのと、CDで録音だけを聴くのと、どう違うか、どちらが良いかとホスト2人に問いを投げかけたのだ。回答をまとめれば、録音の限界というか、演奏の現場では音が様々な方向から聴こえたりする聴取の豊かさが、録音を聴く際には失われてしまうのは確かだとして、眼の前で演奏しているのを見てしまうと「なるほど、ああして、その結果、こういう音が出て……」という理解が先行してしまって、音自体を聴いて想像力を膨らませることができない……というところだろうか。個人的には、「フィルム体験をフィルムの制作される過程から切り離すことが批評の提要である」との蓮實重彦の言明通り、「聴取体験を音や響きの生み出される過程から切断すること」を掲げたい。だがそれにしても、前回も触れたように、「体験」に関する蓮實の言明には深く頷かされるのだが、彼の唱えるアメリカ映画中心主義には全く同意できない。
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 続いては、Keisuke Matsuno/Moritz Baumgartner/Lars Graugaard『Crumble』。現在、Jim Blackのバンドで活動しているというMatsunoのギターとBaumgartnerのドラムを、音数を絞り、増幅度を高めて希薄化し、リヴァーブを効かせて空間一杯に響かせ、背後の空間を横切りざわめかせるエレクトロニクスと共に変容させていく13分以上の長尺のトラックが披露された。ギターは壊れやすく不安定な遷移を取り扱い、不均衡な移ろいやテープ・ゴーストや陽炎のようなあえかな変化に感覚を集中する。それゆえ離れて見ると、マクロなフレーズ自体は結構ベタだ。これの内圧をレッドゾーンの彼方まで高めていくとMiles Davis「He Loved Him Madly」になるのだろう。

 「タダマス」では、「最後は気楽に聴いてほしい」と言って、ヴォーカルものがかかることがよくあるが、これがまた結構問題含みで安穏とは聴いていられない。この日の締めくくりはSon Lux『Brighter Wounds』。もともとRyan Lott=Son Luxであったところが、「タダマス」でも評価の高いRafiq Bhatiaと彼と活動しているIan Changの2人が参加してバンド形態になってから、面白さを増したのだという。確かに紹介された2曲は共に3人の連名クレジットとなっている。
 深い水の底から形を成さない何かが滾々と湧き上がり続けている。切れ端、揺らめき、退色、劣化……。間を空けたスネアのアタックが硬化処理を施され、細部を削り落とされて揺るぎない鮮明さ/リジッドさを獲得しているのに対し、イノセントな子どもの合唱や昔のディズニー映画風の弦は、記憶の中から響いてくるように揺らぎ、鮮明さを欠いている。ヴォーカルやピアノも、そうした記憶の不確かさ不鮮明さに侵食され、不可逆な劣化を来している。背後の空間で浮き沈みする様々な響きのかけら。この「Labor」に続く「The Fool You Need」では、一転してドラムが不整脈を来たし、ダブ処理とキーボードの不鮮明な揺らぎやホーンのサンプリング的な使い方が不均質さをさらに強調する。確かに見事な造形ではある。

 ここでも興味深い深い議論が展開された。多田がSufjan Stevens -『The Age of Adz』を引き合いに出し、「何もかもポップスに回収されてしまう」と溜息を漏らしたのに対し、益子が「むしろ何もかもポップスになって、日常化してほしい。AKBとかではなく、タダマスでかかるような音源がラジオでいつでも聴けるように。」と応じたのだ。それは「もっとアコースティックなものが聴きたい」という多田に対し、「録音された時点ですでに電気が入っている。脳内にだって電気が走っている」と前回ゲストとして招かれた加藤一平のつぶやきを引いて応じたあたりから、いささか論点がそれてしまったが。

 私は「Labor」を聴いていて、Mercury Rev『All Is Dream』(2001年)を思い出した。家で聴き返すとディズニー・サントラ風のノスタルジックな弦とフラジャイルというか、ヴァルネラブルな声の揺らぎが、聴き手を深い水底に誘い、沈めていくような感覚は確かに似ていると思う(それにしても今回は、こうした「これは○○ではないか」というフラッシュバックにも似た瞬間が多く訪れた。一体なぜなのだろう)。無論、もう20年近く前の作品だから、細かい電子的トリートメントによる3Dアニメーション的な変容操作はないのだが、触発力・喚起力においては、決して劣らないどころか、むしろ上回っているとさえ思う。問題はまさにここで、ポップスへの「回収」は結果として、不可避的に角を丸め、鋭く切り立ったエッジをスムーズにして、「無害化」をもたらしてしまうのだ。

 むろん、「いや、ポップスにも尖ったものはある。そもそもMercury Revだってポップスだ」、「ポップス化せずに、旧来の「ジャズ」に踏みとどまればよいと言うのか」、「『良いものは売れない』というのは一部当たっているとしても、『売れないものが良い』は明らかに倒錯であり、間違っている」……等々、様々な反論は可能だし、これらの反論はすべて正しい。要は「ポップス」の定義の仕方だという意見もあるだろう。たとえば「ポップス」の代わりに「紅白歌合戦」を代入したらどうなるか。しかし、論点をこうずらすと、際限がなくなってしまう。掲示板のスレッドのネタとしてはいいかもしれないが。

 ここでは、とりあえず「聴きたい」という聴取の欲望と「消費」の間に一線を引きたい。ここで「消費」とは、作品や楽曲を購入する、あるいは聴取すること自体を指すものではない。耳が不意打ちされ、聴覚が拡張され、視界で揺れ動くマチエールの差異に、風景の豊穣さに、反覚醒の記号の過剰に困惑し、揺さぶられ、突き落とされ、足元をすくわれ、深みへとずぶずぶと沈められ、主体の動揺/変容を余儀なくされる体験、すなわち「邂逅」を回避し続け、安穏と傷一つ負わず聴き流して大音量に鼓膜をすり減らし、あるいはジャンル分けや流行の度合いに従って情報処理し、あるいは文学的な、心理学的な、社会学的な、文化人類学的な「物語」だけを読み取り、あるいはBPMだけに反応してニワトリのように首を揺すり、果ては満員の通勤電車の中で「隔離された個室」を確保するためだけに「障壁」として用いるような、儀礼的・象徴的消費を指す。

 少なくともこの国では、「ポップス」とは、聴取の欲望を喚起/触発しないことによって、よりスムーズに「消費」の対象となるもののことではなかろうか。例えば、付属の投票券欲しさに、同じCDを10枚、20枚と購入するとか。そのことは録音の質にも深く関わっていて、例えば、この日の前半に披露された音源は、みなそれぞれの仕方で「自らの響くべき空間」を的確に眼差していた。「ラジカセMIX」から「ケータイMIX」へと、「自らが響くことを余儀なくされる空間」に合わせて平板化・低質化を施される、この国の「ポップス」と、何と異なることか(もちろん例外は無数にあるにしても)。

 この国の惨状はひとまず措くとしても、「ポップス」への期待は、「芸術」への憧れと同様、やはり無効なのではないか。「孤高」や「異端」を気取ることも、「正統」へと撤退し引きこもることも、「実験」や「前衛」、あるいは「脱領域」を標榜し正当化することも、また。
 音は自ら響くべき空間を必要とし、音楽演奏とはそれを切り拓く営為である。とすれば、ジャズが切り拓くべきは「ポップス」ではなく、ジャズの「余白」にほかなるまい。そしてジャズの「余白」が依然としてジャズの一部であるのか、それとも、それを超えた外側に位置しているのかは、実のところどうでもいいことなのだ。

タダマス29告知2縮小
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ライヴ/イヴェント・レヴュー | 23:16:30 | トラックバック(0) | コメント(0)
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